Théâtre Vidy-Lausanne // programmation septembre 2020 – février 2021 by Théâtre Vidy-Lausanne

SEPT. 2020 FÃ&#x2030;V. 2021

Sommaire Édito

CLAIRE DE RIBAUPIERRE/MASSIMO FURLAN Dans la forêt

YASMINE HUGONNET Seven Winters

JÉRÔME BEL

Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

MÉTILDE WEYERGANS/SAMUEL HERCULE (LA CORDONNERIE) Hansel et Gretel en caravane

MOHAMED EL KHATIB/ALAIN CAVALIER Conversation

TIAGO RODRIGUES

Catarina e a beleza de matar fascistas (Catarina et la beauté de tuer les fascistes) spectacle jeune ou tout public

lieux « hors les murs »

SIMON SENN

Be Arielle F

ISRAEL GALVÁN/NIÑO DE ELCHE Mellizo doble

(Jumeau double)

MARIELLE PINSARD/VALENTIN VILLARD/ MATHYLDE DEMAREZ Requiem pour Rosetta – Une histoire d’amour

STEFAN KAEGI (RIMINI PROTOKOLL)

Société en chantier

FRÉDÉRIC FERRER

L’Atlas de l’anthropocène

MURIEL IMBACH

Arborescence programmée

FRANÇOIS-XAVIER ROUYER La Possession

MOANDA DADDY KAMONO/MAGALI TOSATO Profil

Imaginaires des futurs possibles saison 2

VINCIANE DESPRET

Enquêter avec d’autres êtres

NACERA BELAZA L’Onde

ÉMILIE CHARRIOT

Outrage au public de Peter Handke

HUGO ARCIER/CYRIL TESTE ÉDEN

CHRISTOPH MARTHALER

Das Weinen (Das Wähnen) (Pleurer [Imaginer])

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER (ROSAS) Mitten wir im Leben sind/ Bach6Cellosuiten

FRANÇOIS GREMAUD Auréliens

d’après Aurélien Barrau

ALAIN BOREK

Boucle d’or 2020

NTANDO CELE

Go Go Othello

TABEA MARTIN Nothing Left

BARO D’EVEL Là

STEFAN KAEGI (RIMINI PROTOKOLL)

Temple du présent – Solo pour octopus En collaboration avec ShanjuLab

FRANÇOIS GREMAUD Giselle...

DAVID GESELSON Doreen

d’après André Gorz

MARION SIÉFERT

DU SALE ! Pièce d’actualité n˚12

GUILLAUME BAILLIART (GROUPE FANTÔMAS)

Tartuffe d’après Tartuffe d’après Tartuffe d’après Molière

MILO RAU Familie (Famille)

WILLIAM FORSYTHE

A Quiet Evening of Dance À VENIR… EN DEUXIÈME PARTIE DE SAISON

RÉSERVER VOS PLACES SUR VIDY.CH Réserver vos places dès le 24.8 pour les spectacles programmés jusqu’au 7.11 dès le 23.09 pour les spectacles programmés jusqu’au 19.12 dès le 10.11 pour les spectacles programmés jusqu’au 19.02 le 11 janvier sera présentée la deuxième partie de saison

spectacle jeune ou tout public

lieux « hors les murs »

VIDY

VIDY VIDY

VIDY

AUTOUR DES SPECTACLES ÉCOLES ET ENSEIGNANT·E·S

VIDY

FAMILLES, KIDS, ADOS VIDY

DIGITAL

VIDY

ACCESSIBILITÉ

VIDY

MULTILINGUAL

PRODUCTION PRODUCTION VIDY PRODUCTIONS, COPRODUCTIONS ET TOURNÉES PARCOURS COMMUN

LE THÉÂTRE LE THÉÂTRE VIDY EN CHANTIER CONSEIL DE FONDATION ET ÉQUIPE DE VIDY

PARTENAIRES PARTENAIRES PROJETS PARTENAIRES VIDY EN RÉSEAU SOUTIENS ET PARTENAIRES LE CERCLE DES MÉCÈNES L’ASSOCIATION DES AMI·E·S DU THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE LE CLUB DES ENTREPRISES

BILLETTERIE BILLETTERIE ABONNEMENT GÉNÉRAL VIDY TARIFS

OUVERTURE DES RÉSERVATIONS

TARIF DÉCOUVERTE TARIF OPÉRA OBTENIR VOS BILLETS

ACCÈS ACCÈS ACCÈS PLAN DE PROTECTION ! COVID-19 ! LA BARAKA ACCÉDER À VIDY ACCÉDER AUX LIEUX HORS LES MURS

CALENDRIER SEPTEMBRE 2020 OCTOBRE 2020 NOVEMBRE 2020 DÉCEMBRE 2020 JANVIER 2021 FÉVRIER 2021

ÉDITO Après ces longues semaines de fermeture, nous vous invitons à nous retrouver à nouveau ensemble au théâtre. Pendant ces premiers mois de crise sanitaire mondiale, le confinement et les mesures de distanciation sociale ont empêché précisément ce qu’offre le théâtre : se rassembler dans un même lieu pour vivre ensemble, avec les artistes, le temps d’une représentation, une expérience sensible de la beauté, de la violence, de la diversité ou de la précarité du vivant. Sa capacité à produire du sens et des récits à partager, qui nous aide à nous relier au monde, nous a manqué. Même si l’épidémie n’a malheureusement pas disparu et son évolution reste incertaine, toute l’équipe du théâtre et les compagnies artistiques invitées travaillent à rendre possible votre rencontre avec les œuvres, dans le respect des normes sanitaires décidées par les autorités cantonales. Pour le moment le port du masque facial et votre traçabilité sont nécessaires, mais ces mesures sont susceptibles d’évoluer avec le temps, dans un sens comme dans l’autre. Ce contexte demande à tous et toutes une permanente réactivité, car elles impactent

le nombre de places disponibles et l’organisation de votre accueil en salle, ainsi que l’arrivée en Suisse de certaines équipes venues de l’étranger. C’est pourquoi nous avons choisi de publier notre programme plus tardivement et sous forme numérique, avec un contenu enrichi de quelques extraits vidéo de spectacles et de liens directs avec notre site internet. C’est aussi pour pouvoir s’adapter à l’évolution de la situation que nous avons décidé de n’ouvrir les réservations que progressivement. Cette nouvelle saison est aussi particulière car le bâtiment d’origine conçu par Max Bill pour l’Exposition nationale de 1964 entame sa rénovation dès le 1er septembre 2020, pour une durée de deux ans. Les salles Charles Apothéloz et la Passerelle ainsi que la Kantina, sont inaccessibles. Pendant cette période, à Vidy, nous présentons les spectacles dans nos deux salles les plus récentes, le Pavillon en bois et la salle René Gonzalez, et nous pouvons nous retrouver avant et après les spectacles dans « La Baraka ». Cette maison en bois conviviale (recyclée du 100e anniversaire de la Fédération vaudoise des jeunesses campagnardes à Savigny) est installée à

côté du Pavillon pour héberger le bar-restaurant, la billetterie, la librairie, des toilettes (sèches) et le foyer afin de vous accueillir au mieux sur le site.

les créations qui n’ont pas pu avoir lieu ces derniers mois. Avec ce magazine, découvrez cette nouvelle saison, que nous souhaitons vive, curieuse mais aussi engagée, pour penser le monde d’aujourd’hui et de demain. Le vivant, le végétal et l’animal, le deuil, convoquer et désassigner, en seront certains des mots-clés. Ils font partie des sujets d’enquêtes de la passionnante philosophe Vinciane Despret qui sera associée à Vidy pour un nouveau cycle des Imaginaires des futurs possibles, conçu en collaboration avec l’UNIL et intitulé Enquêter avec d’autres êtres. Ce titre résonne bien avec la démarche des artistes que nous avons convié·e·s.

Durant le chantier de nombreuses créations auront lieu aussi hors de nos murs dans d’autres lieux de Lausanne et de ses environs. Pour cette première partie de saison, nous vous proposons de découvrir des spectacles notamment dans le bois du Jorat, le Musée cantonal des Beaux-Arts, l’église Saint-François, des amphithéâtres de l’UNIL, une halle de Beaulieu ainsi que dans la grande salle à l’italienne de l’Opéra. Après de multiples scénarios élaborés en fonction de l’évolution de la pandémie, nous avons réussi à maintenir les spectacles pour lesquels nous étions déjà engagé·e·s pour la saison prochaine mais aussi à reporter

Nous vous invitons à reprendre les chemins du théâtre, à Vidy et ailleurs, pour s’y retrouver et partager ensemble leurs créations. Il sera en effet précieux de se rassembler et de se relier à nouveau.

Vincent Baudriller

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Création Vidy

HORS LES MURS

CLAIRE DE RIBAUPIERRE/ MASSIMO FURLAN Dans la forêt

15 – 17, 24 – 26, 29, 30 septembre 1er, 6 – 8, 13 – 15, 20 – 22, 27 – 29 octobre 3 – 5 novembre Hors les murs/Bois du Jorat Départ de la navette pour la forêt depuis la station « Vennes » du métro M2

Randonnée artistique Durée estimée 2h30 – 3h (7 km) Tarif M découverte Code SMS FORE

S’avancer dans la forêt obscure

Marcher dans la forêt du Jorat, la nuit, pendant sept kilomètres, voici l’étrange expérience physique et artistique que nous proposent Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre : s’avancer Dans la forêt obscure et être vu·e·s et observé·e·s par toutes les présences furtives et invisibles qui nous entourent. La forêt est un lieu de refuge, de cache ou de cachette, espace habité par de multiples êtres, aussi sauvage que maîtrisé. À celui ou celle qui reste à la lisière et la regarde de loin, elle paraît abstraite, liée à nos imaginaires, aux contes de fées, des peurs enfantines associées à celles de la nuit. Mais en s’approchant, en pénétrant la forêt, en la traversant, en l’écoutant, le temps de quelques heures, elle englobe, enveloppe, accueille. Elle se révèle habitée, traversée par une multitude de présences, de sons, de souffles : insectes, oiseaux, chevreuils, renards, sangliers, arbres… Pour Dans la forêt, les randonneurs·euses spectateurs·rices sont guidé·e·s au centre de cette forêt pour une marche, à une certaine distance les un·e·s des autres, à la queue leu leu, en silence. Si le paysage se révèle peu à peu, c’est l’humain en mouvement qui est bientôt observé par les animaux, les arbres,

les ĂŠtoiles, la lune, le ventâ&#x20AC;&#x2030;: il avance, regarde et ĂŠcoute; laisse travailler son imaginaire; et son corps et le monde conversent en silence. Walking in the forest of Jorat, at night, for seven kilometers: this is the strange physical and artistic experience that Massimo Furlan and Claire de Ribaupierre are offering us. Walking in a dark forest, being seen and observed by all the furtive and invisible presences that surround us.

CLAIRE DE RIBAUPIERRE/ MASSIMO FURLAN Lausanne

Artiste lausannois imprévisible, Massimo Furlan puise la matière de ses projets dans la mémoire collective qu’il fait résonner avec des questions de société les plus diverses. En collaboration avec la dramaturge Claire de Ribaupierre, enseignante à La Manufacture et spécialiste d’anthropologie, il fait surgir des souvenirs en apparence anodins, des images oubliées, des événements célèbres de la culture populaire dont la réappropriation souvent ludique révèle comment ils tissent l’en-commun et nourrissent le vivre-ensemble. Par exemple, il rejoue seul et sans ballon des parties mythiques de l’histoire du football dans des stades, ou incarne tous les concurrent·e·s de l’édition 1973 du concours Eurovision de la chanson. Dans ses projets scéniques, il invite sur scène danseurs·euses et autres interprètes pour réaliser ce qu’il nomme les images longues, plans séquences proches du cinéma et de l’installation.

Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre inventent également des protocoles et des dispositifs de paroles singuliers dans le cadre de projets in situ comme Madre, Blue tired Heroes ou Les Héros de la pensée. À Vidy, Massimo Furlan présente une nuit de performances sous le titre Slow Life en 2016, et il crée avec Claire de Ribaupierre les spectacles Un jour en 2014, Hospitalités en 2017, Les Italiens en 2018 et Concours européen de la chanson philosophique en 2019.

Un projet de Massimo Furlan Claire de Ribaupierre Son Aurélien GodderisChouzenoux Avec Martin Reinartz Production Numero23Prod Théâtre Vidy Lausanne

Avertissements Marche nocturne de 7 km, avec un guide, réservée aux personnes en bonne condition physique. Chaussures de marche et tenue en fonction de la météo. Le spectacle-randonnée aura lieu par tous les temps. Toutefois, le théâtre préviendra chaque participant·e en cas d’annulation.

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Création Vidy

YASMINE HUGONNET Seven Winters

Du 23 au 27 septembre Vidy/Pavillon Danse Durée estimée 1h Tarif M Code SMS SEVE VIDY+ Rencontre : jeu. 24.09

Ce jeu entre le semblable et le différent

Chaque hiver ressemble et diffère du précédent, et nous changeons avec lui. La chorégraphe Yasmine Hugonnet avec sept danseurs·euses explorent ce jeu entre le semblable et le différent. À travers la mise en rapport de doubles – êtres jumeaux, temps répliqués –, elle invite à une poétique de la réciprocité entre semblables, mais aussi avec le vide, l’invisible et la « peau de l’espace ». La danse de Yasmine Hugonnet est faite d’une attention sensible à ce qui anime un corps – comment un geste réveille une mémoire, une torsion suscite une attirance renouvelée pour une présence. Ce qui vaut pour le rapport de la danseuse et son corps se retrouve dans sa relation aux spectateurs et spectatrices – et la chorégraphe module ainsi la concentration de celles et ceux qui regardent. Dans les échanges entre les interprètes : elle définit ainsi les mouvements en termes de réciprocité, prenant soin de lier ce qui est fait et ce que cela fait. Elle poursuit sa « pratique du devenir », une danse qui voit certaines parties du corps se maintenir dans un état tandis que d’autres sont en devenir.

Pour observer ce qui varie et ce qui se répète, elle duplique les postures, les espaces et les temps, entretenant des récits doubles ou parallèles. Dans ces échos se révèlent d’infimes différences de sensations, de présences ou de désirs, révélant la richesse instable des êtres et des relations. Avec Seven Winters, Yasmine Hugonnet convoque les infinies manières d’être vivant. Every winter resembles yet differs from the last, and we change along with it. The choreographer Yasmine Hugonnet and seven dancers explore this play between similarity and difference. Finding connections between doubles—twin beings, replicated lapses of time—she invites us to witness a poetics of reciprocity within kinship, but also with emptiness, the invisible, and the «skin of space».

YASMINE HUGONNET Lausanne

Yasmine Hugonnet est danseuse et chorégraphe. Elle s’intéresse au rapport entre forme, image et sensation, à la germination de l’imaginaire, à la (dé)construction du langage chorégraphique, au processus d’incarnation et d’appropriation. Née en Suisse, elle intègre à treize ans le Conservatoire National Supérieur en Danse Contemporaine de Paris. En parallèle, elle s’intéresse à la danse contact, à l’improvisation, au Butô et à la recherche chorégraphique. Puis elle part voyager au gré des possibilités de créer. De 2009 à 2013, elle s’engage dans un long temps de recherche solitaire à Lausanne. Elle produit ensuite trois solos : en 2013 Le Rituel des Fausses Fleurs, en 2014 Le Récital des Postures, présenté à Vidy en 2017. En 2015, elle crée La Traversée des Langues présentée aux Printemps de Sévelin dans le cadre de Programme Commun, Se sentir vivant lors de Programme Commun 2017, puis, à Vidy, Chro no lo gi cal en 2018 et Extensions en 2019. Elle participe au séminaire du cycle des Imaginaires des futurs possibles à Vidy en 2019/2020.

Conception et chorégraphie Yasmine Hugonnet Collaboration artistique Michael Nick Scénographie Nadia Lauro Lumière Dominique Dardant Son Frédéric Morier Costumes Nadia Lauro Yasmine Hugonnet Michael Nick Direction technique Jérôme Vernez Assistante Isabelle Vesseron Administration Violaine DuPasquier Diffusion et production Jérôme Pique Résidence de création, construction du décor et conception des costumes Théâtre Vidy-Lausanne Avec Mathieu Barbin Stéphanie Bayle Marta Bellu Ruth Childs Maïté Jeannolin Ilaria Quaglia Sabine Rivière

Production Arts Mouvementés Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Atelier de Paris, CDCN Festival d’Automne à Paris Centre culturel suisse de Paris Les 2 scènes, Scène nationale de Besançon ICI, Centre Chorégraphique National Montpellier La place de la danse, CDCN Toulouse Tanzhaus, Zurich Dampfzentrale, Berne Avec le soutien de Canton de Vaud Ville de Lausanne Loterie Romande Pro Helvetia Ernst Göhner Stiftung SSA Fonds culturel Corodis SIS Fondation suisse des interprètes Ce spectacle est soutenu par LaB E23, programme Interreg France-Suisse 2014–2020 bénéficiant d’un soutien financier du FEDER

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Création Vidy

JÉRÔME BEL

Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

Du 24 septembre au 3 octobre Vidy/Salle René Gonzalez Danse/Théâtre Relâche lun. 28.09 Durée estimée 1h30 Tarif M Code SMS DANS VIDY+ Rencontre : mar. 29.09

La forme s’efface alors devant le sens

Le chorégraphe Jérôme Bel demande à l’actrice Valérie Dréville d’interpréter non pas des rôles du répertoire théâtral comme elle en a l’habitude, mais certaines danses de la modernité chorégraphique. C’est à l’entrecroisement du théâtre et de la danse, du langage et de la chorégraphie que l’interprétation de ces danses se joue. Jérôme Bel est convaincu que certaines chorégraphies du XXe siècle sont aussi éloquentes et significatives que les pages les plus accomplies de la littérature théâtrale. Valérie Dréville dont le parcours est marqué par les grands noms de la mise en scène, de Vitez à Vassiliev, Régy, Ostermeier ou Castellucci, n’est pas une danseuse. Ainsi, tout le formalisme qui prévaut d’ordinaire dans la danse est allègrement piétiné au profit de la puissance de l’imaginaire de l’actrice. La forme s’efface alors devant le sens, l’apparence devant l’intériorité, la représentation devant l’expérience, le spectacle devant l’événement.

The choreographer Jérôme Bel enjoins the actress Valérie Dréville to perform – but not the classical theatrical roles she is used to. Rather, he has asked her to interpret certain dances from the modern choreographic repertoire. The result lies at the intersection of theatre and dance, language and choreography.

JÉRÔME BEL/ VALÉRIE DRÉVILLE Paris

Jérôme Bel est un chorégraphe français dont les premières œuvres, dans les années 90, exploraient la théâtralité littérale du moindre geste : chaque apparition ou mouvement valait pour ce qu’il était littéralement, faisant de la scène le lieu d’une observation attentive, recentrée et évocatrice en défaisant le spectaculaire. Plus tard, ses pièces, poursuivant leur ouverture à ce qui habituellement n’a pas sa place dans un théâtre, se firent documentaires : Véronique Doisneau (2004), une commande de l’Opéra de Paris, voit une danseuse du ballet raconter son expérience dans l’institution. Ou encore Disabled Theater, dans lequel il invite les acteurs·rices handicapé·e·s du Theater Hora zurichois à partager leurs danses et leurs histoires. À Vidy, il a présenté Gala (2017, reprise en 2018), puis Rétrospective et Conférence sur rien lors de Programme Commun 2019. Depuis 2019 et pour des raisons écologiques, Jérôme Bel réinterroge ses pratiques de production et de diffusion, notamment en ne prenant plus l’avion.

Formée à l’École de Chaillot – notamment par Antoine Vitez qui la dirigera plus tard dans Le Soulier de satin de Paul Claudel en Avignon (1988) –, passée par le Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris puis la ComédieFrançaise, Valérie Dréville a travaillé avec les plus grands artistes de la scène française et internationale (Claude Régy, Anatoli Vassiliev, Alain Françon, Roméo Castellucci…) et du cinéma (Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Philippe Garrel, Arnaud Desplechin, Nicolas Klotz, Michel Deville…). À Vidy, elle a été interprète de Kristian Lupa dans Perturbation d’après Thomas Bernhard puis de Thomas Ostermeier pour Les Revenants d’Ibsen et La Mouette de Tchekhov, à Vidy en 2013 et 2016.

Concept Jérôme Bel Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Avec Valérie Dréville Production R.B. Jérôme Bel Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne MC93, Maison de la Culture de Seine-SaintDenis (Bobigny) La Commune Centre dramatique national d’Aubervilliers Festival d’Automne à Paris R.B. Jérôme Bel Avec le soutien de CND Centre National de la Danse dans le cadre de l’accueil en résidence et de la Ménagerie de Verre dans le cadre de Studiolab

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Tout Public dès 6 ans

MÉTILDE WEYERGANS/ SAMUEL HERCULE (LA CORDONNERIE) Hansel et Gretel en caravane

Du 25 au 27 septembre Vidy/Caravane sur la pelouse de la piscine de Bellerive Prenez vos coussins ou couvertures pour vous asseoir. Théâtre/Musique/Cinéma Durée estimée 1h Tarif M Code SMS HANS

Ciné-spectacle pour tous les âges à la tombée de la nuit

Dans cette adaptation inventive du célèbre conte des frères Grimm, Hansel et Gretel ne sont pas les enfants… mais les vieux parents qu’on abandonne dans la forêt. Un réjouissant cinéspectacle musical en plein air pour toute la famille. Jacob vit dans une caravane avec sa femme Barbara et ses parents : son père Hansel et sa mère Gretel, illusionnistes à la retraite. Voilà plus d’un an que Jacob est au chômage. La famille est très pauvre et leur situation s’aggrave de jour en jour. Jacob s’inquiète, ils n’auront bientôt plus rien à manger. C’est alors que Barbara lui propose de conduire ses parents au plus profond de la forêt et de leur fausser compagnie. Hansel et Gretel seront incapables de retrouver leur chemin, Jacob en sera débarrassé. Il refuse tout net, comment pourrait-il les abandonner ? Mais Barbara demande : « Préfères-tu que nous mourions de faim tous les quatre ? Hansel et Gretel ont fait leur temps. » Samuel Hercule et Métilde Weyergans font du conte une parabole poétique sur la charge matérielle et affective que représente la perte d’autonomie des parents âgés.

Devant la caravane de Jacob installée sur la pelouse du théâtre, un film muet est projeté sur un grand écran de cinéma en plein air. La musique, les dialogues et les bruits sont interprétés en direct comme une « bande-sonore » de ce captivant cinéspectacle pour tous les âges à la tombée de la nuit. In this inventive adaptation of the Grimm brothers’ famous tale, Hansel and Gretel, who have been abandoned in the forest, are not the children... but the old parents. This delightful open-air show, with elements of film and music, is suitable for the whole family.

Teaser

MÉTILDE WEYERGANS/ SAMUEL HERCULE (LA CORDONNERIE) Lyon

Les « ciné-spectacles » de La Cordonnerie, troupe fondée en 1997 à Lyon et emmenée par Samuel Hercule et Métilde Weyergans, entremêlent théâtre, cinéma et musique. Depuis 2002, ils adaptent des contes à travers des versions modernes et décalées adressées aux enfants, aux adolescent·e·s comme aux adultes. Un film muet est mis en dialogue avec des comédien·ne·s, des bruiteurs·euses et des musicien· ne·s, sur une partition originale du pianiste et compositeur Timothée Jolly. Les thèmes universels des contes répondent aux innovations techniques, à l’inventivité et à l’esprit bricoleur et artisanal qui animent La Cordonnerie, les un·e·s et les autres au service d’un décloisonnement des arts et de créations ludiques et impertinentes qui s’adressent à toutes et tous. À Vidy, ils ont présenté Blanche-Neige ou la chute du mur de Berlin et Udo, complètement à l’Est en 2017.

Création 2014 (2019 pour la version itinérante) Texte D’après le conte de Jacob et Wilhelm Grimm Adaptation, réalisation et mise en scène Samuel Hercule Métilde Weyergans Musique originale Timothée Jolly Construction machinerie Frédéric Soria Dominique Mercier-Balaz Sébastien Dumas Son Adrian’ Bourget Lumière Sébastien Dumas Régie générale Dominique Mercier-Balaz Assistanat à la mise en scène Pauline Hercule Avec Pauline Hercule Florie Perroud Julien Picard Thomas Rolin Équipe film Hansel Michel Crémadès Gretel Manuela Gourary Jacob Samuel Hercule Barbara Métilde Weyergans Assistanat à la réalisation Grégoire Jeudy et Damien Noguer Cheffe opératrice Catherine Pujol

Décors Bérengère Naulot assistée de Marguerite Rousseau Costumes Rémy Le Dudal Production Nouveau théâtre de Montreuil La Cordonnerie Coproduction Le Granit, Belfort Opéra Théâtre de Saint-Étienne Avec le soutien de SPEDIDAM Adaptation forme itinérante réalisée en coproduction avec Les 2 Scènes, scène nationale de Besançon dans le cadre du programme LaB E23 - programme européen de coopération transfrontalière Interreg France-Suisse

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HORS LES MURS

MOHAMED EL KHATIB/ ALAIN CAVALIER Conversation

Les 26 et 27 septembre Hors les murs/ Musée cantonal des Beaux-Arts Théâtre Durée 1h Tarif S Code SMS CONV

Deux vies si différentes mais étrangement croisées

Le cinéaste Alain Cavalier et le metteur en scène Mohamed El Khatib se sont rencontrés à la faveur d’une caméra achetée par erreur. Sur scène, ils poursuivent un dialogue aussi libre qu’amical sur ce qui, d’une culture à l’autre, d’une génération à l’autre, anime leur vie et leur œuvre. Le premier, auteur de films à succès dans les années 1960 – 1970 (tels Le Combat dans l’île avec Jean-Louis Trintignant et Romy Schneider, L’Insoumis avec Alain Delon ou encore La Chamade avec Catherine Deneuve et Michel Piccoli...), s’est depuis consacré, caméra au poing, au documentaire, au cinéma du réel (Irène, Pater...). L’autre, Mohamed El Khatib, pratique un théâtre documentaire intimiste et direct qui confronte la scène à d’autres médiums (cinéma, installations, journaux) et observe le produit de ces frictions. Depuis deux ans, un échange amical se poursuit entre eux sur la scène de théâtres. Ils se confient l’un à l’autre, avec les spectateurs et les spectatrices autour d’eux, comme pour une veillée. La conversation circule de part et d’autre de la Méditerranée – le premier a été marqué par la guerre d’Algérie, qu’il a filmée, le second est

d’origine marocaine – et d’une génération à l’autre – le premier naît au début des années 30, le second au début des années 80. Ils évoquent les rêves, le désir, la politique, le rapport colonial, l’image et son lien au réel ou le football. Ce double portrait croisé n’aboutit ni à un film ni à une pièce de théâtre, mais à l’esquisse publique d’une microhistoire de deux vies si différentes mais étrangement croisées. The filmmaker Alain Cavalier and the director Mohamed El Khatib met thanks to a mistakenly purchased camera. On stage, they pursue a free-flowing and friendly dialogue on the subject of what animates their life and their work, from one culture and generation to another.

MOHAMED EL KATHIB/ ALAIN CAVALIER Paris

Né en 1980, l’auteur, metteur en scène, performer et réalisateur Mohamed El Khatib aspire à ne devenir expert d’aucun domaine. Brièvement footballeur, diplômé de Sciences Po, il soutient une thèse en sociologie avant de fonder la compagnie Zirlib en 2008. Il développe des projets de fictions documentaires singuliers dans le champ du théâtre, de la littérature ou du cinéma : à travers des épopées intimes, il invite tour à tour un agriculteur, une femme de ménage, des marins, des supporters, à cosigner avec lui, sur scène, une écriture du temps présent. Mohamed El Khatib a obtenu le Grand Prix de Littérature dramatique 2016 avec la pièce Finir en beauté où il évoque la fin de vie de sa mère, présentée à Vidy en 2016.

Né en 1931, Alain Cavalier entre à l’IDHEC après des études d’histoire, puis devient l’assistant de Louis Malle. Entre 1958 et 1993, il réalise des fictions cinématographiques, voire des films de genre, avant que ses scénarios se rapprochent de la vie de ses interprètes ou de la sienne. À partir des années 90, il travaille entièrement seul avec de petites caméras vidéo. Il dit ne plus être un cinéaste, mais un « filmeur ». En 2004 sort Le Filmeur, journal intime filmé en vidéo sur plus de dix ans, et en 2009 Irène, dans lequel il se met en scène autour des souvenirs de sa femme décédée. En 2011, il tourne Pater avec Vincent Lindon. En 2019 sort en salle Être vivant et le savoir, autour de la romancière Emmanuèle Bernheim.

Création 2017 Une proposition de Mohamed El Khatib Alain Cavalier Production Zirlib Coproduction La Bâtie-Festival de Genève Remerciements Théâtre de la Ville, Paris Actoral, Festival international des arts et des écritures contemporaines Théâtre Olympia, Centre dramatique national de Tours Théâtre + Cinéma, Scène nationale Grand Narbonne

MCBA Le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne a inauguré à l’automne 2019 un nouveau bâtiment sur le site de Plateforme10, futur quartier des arts à deux pas de la gare CFF. Ses collections, comptant plus de 11 000 œuvres, et sa réputation nationale et internationale, reposent sur cinq fonds d’importance – Ducros, Gleyre, Steinlen, Vallotton et Soutter – et sur ses acquisitions régulières d’art contemporain. Vidy y a présenté une version de Gala de Jérôme Bel. www.mcba.ch

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TIAGO RODRIGUES

Catarina e a beleza de matar fascistas (Catarina et la beauté de tuer les fascistes)

Du 30 septembre au 3 octobre Vidy/Pavillon Théâtre En portugais, surtitré en français et en anglais Durée estimée 2h Tarif M Code SMS CATA

ÂŠ ZUMA Press, Inc. / Alamy Stock Photo

Une allĂŠgorie pour interroger les lois et la morale de notre temps

Tiago Rodrigues et ses interprètes racontent l’histoire d’une famille qui se réunit chaque année à la campagne pour tuer un fasciste afin de réparer un crime féminicide de leur ancêtre. Aujourd’hui c’est au tour de la jeune Catarina de tuer son premier fasciste, kidnappé pour l’occasion. Cependant, elle refuse de le faire… L’auteur et metteur en scène portugais décrit le conflit familial et la confusion qui éclatent et déchaînent les questionnements. Qu’est-ce qu’un fasciste ? Pouvons-nous violer les règles de la démocratie pour mieux la défendre ? En situant l’action dans un avenir proche, Tiago Rodrigues se détache de la réalité, pour mieux l’observer, l’anticiper. Il crée une allégorie pour interroger les lois et la morale de notre temps et pour débusquer les futures tendances fascistes dans nos sociétés. Et ce poème dystopique devient fable lorsque le fasciste qui attend son sort s’entretient la nuit avec le fantôme d’une autre Catarina, Catarina Eufémia, une travailleuse agricole abattue pendant la dictature d’António de Oliveira Salazar en 1954.

Tiago Rodrigues écrit ses textes pour ses interprètes au fil des répétitions, convoquant mémoires collectives, rituels et enjeux politiques ou artistiques. Ensemble, ils explorent comment le théâtre peut interpeller le réel, en se plaçant sur le seuil incertain qui sépare la vie et l’artifice de l’art. Tiago Rodrigues and his performers tell the story of a family that meets in the countryside every year to kill a fascist, in order to make amends for a femicide committed by their ancestor. Today, it is the turn of young Catarina to kill her first fascist, who was kidnapped for the occasion. However, she refuses to do so...

TIAGO RODRIGUES Lisbonne

Auteur, metteur en scène et acteur, directeur du Teatro Nacional D. Maria II de Lisbonne, Tiago Rodrigues déploie un art de la narration consommé marqué par une économie de moyens, un attachement aux êtres qu’il met en scène et une revisitation libre de l’héritage du théâtre. Sa rencontre avec les Belges du tg STAN en 1997, lorsqu’il a vingt ans, marque définitivement son attachement à l’absence de hiérarchie au sein d’un groupe en création. La liberté de jeu et de décision donnée à l’interprète influencera pour toujours le cours de ses spectacles. Tous ses textes sont traduits en français et édités par Les Solitaires Intempestifs. À Vidy, il a créé le spectacle de sortie des élèves de La Manufacture en juin 2018 Ça ne se passe jamais comme prévu puis a présenté en mai 2019 By heart, Sopro et Antoine et Cléopâtre. En 2019, il y a créé Please please please avec les chorégraphes La Ribot et Mathilde Monnier.

Création septembre 2020 Texte et mise en scène Tiago Rodrigues Scénographie F. Ribeiro Costumes José António Tenente Lumière Nuno Meira Son Pedro Costa Assistante à la mise en scène Margarida Bak Gordon Production Rita Forjaz Assistante production Joana Costa Santos Avec Isabel Abreu Romeu Costa António Fonseca Pedro Gil Sara Barros Leitão Beatriz Maia Marco Mendonça Rui M. Silva

Production Teatro Nacional D. Maria II Coproduction Wiener Festwochen Emilia Romagna Teatro Fondazione ThéâtredelaCité, CDN Toulouse Occitanie & Théâtre Garonne Scène européenne Toulouse

Festival d’Automne à Paris & Théâtre des Bouffes du Nord - Théâtre de Liège Teatro di Roma, Teatro Nazionale Hrvatsko Narodno Kazalište Comédie de Caen - Maison de la Culture d’Amiens BIT Teatergarasjen Le Trident, Scènenationale de Cherbourg-en-Cotentin Teatre Lliure Centro Cultural Vila Flor O Espaço do Tempo

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SIMON SENN

Be Arielle F

Du 6 au 8 octobre Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre/Vidéo Surtitré en anglais Durée 1h Tarif S Code SMS BEAR

Découvrir un corps virtuel

Le plasticien et vidéaste genevois Simon Senn achète en ligne la réplique numérique d’un corps féminin, puis part à la rencontre de celle dont il incarnera le corps grâce à la réalité virtuelle. Il témoigne en scène de cette expérience troublante. Une fois la réplique téléchargée, il l’anime avec des capteurs, de ceux qu’on trouve communément aujourd’hui : le voilà « dans » un corps de femme, à travers ses lunettes 3D. L’expérience est émouvante. Qui est cette femme ? Peut-il faire faire tout ce qu’il veut à ce corps numérique ? Et cette forme virtuelle ne l’ouvre-t-il pas à une sensualité nouvelle et agréable ? Il parvient à retrouver la jeune femme et entame avec elle un dialogue qui se poursuit aujourd’hui, interrogeant ensemble ce troisième corps numérique qui existe entre eux deux. Mais il cherche aussi à rencontrer une psychologue, pour questionner ce « trouble dans le genre » qui ne lasse pas de le surprendre – ou serait-il atteint de la désormais attestée dysmorphie Snapchat, cette maladie psychique qui fait vouloir se transformer soi-même pour ressembler à son image en ligne ?

Il contacte enfin un avocat, pour comprendre ce qu’il peut légalement faire faire à ce corps – et là encore le spécialiste hésite, la loi n’allant pas aussi vite que la réalité. Dans une conférence théâtrale qui est aussi une démonstration et une confession, Simon Senn expose combien virtuel et réel ne s’opposent pas, et révèle l’intrication inattendue entre psychologie, genre, image, sensualité, technologie et loi. Simon Senn, a plastic and video artist from Geneva, purchased the digital copy of a female body online, then embarked on a quest to meet the woman whose body he would go on to inhabit thanks to virtual reality. He takes to the stage to share his uncanny experience. English subtitles

Teaser

SIMON SENN Genève

Simon Senn est né en 1986 et vit à Genève. Il a obtenu un Bachelor of Fine Arts à la Haute école d’art et de design de Genève et un Master au Goldsmiths College à Londres. Au premier abord, son travail semble suggérer qu’il est un artiste socialement engagé, s’élevant contre un certain type d’injustice. Pourtant, ses œuvres révèlent parfois une approche plus ambiguë, explorant des apories plutôt qu’articulant des critiques adressées. Même si ses vidéos ou installations sont normalement basées sur une certaine réalité, une fiction s’y mêle souvent. Be Arielle F est sa première proposition pour la scène, avec laquelle il a reçu le deuxième Prix d’encouragement pour les arts de la scène Premio en 2019. Pendant la crise sanitaire de ce printemps, une version live stream et adaptée du spectacle a été proposée en digital par le Théâtre Vidy-Lausanne.

Création 2020 Conception et mise en scène Simon Senn Avec Simon Senn Arielle F et un corps virtuel Production Compagnie Simon Senn Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Le Grütli, Centre de production et de diffusion des Arts vivants Théâtre du Loup Diffusion et tournée Théâtre Vidy-Lausanne Avec le soutien de Porosus Pro Helvetia Fondation Ernst Göhner Pour-cent culturel Migros Loterie Romande

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Le livre Be Arielle F de Simon Senn est disponible aux éditions Art & Fiction, dans la collection Mille et un plateaux coédité avec le Théâtre VidyLausanne.

VIDY + FESTIVAL CINÉMA JEUNE PUBLIC Atelier kids Comment devenir une licorne sympa avec Simon Senn L’artiste et metteur en scène Simon Senn propose aux enfants de 8 à 13 ans de scanner leur visage en 3D pour donner vie à un clone numérique, qu’ils pourront ensuite animer grâce à un casque de réalité virtuelle. Devenir une licorne, un géant… toutes les transformations sont possibles pour prendre soin du monde !

Samedi 28.11 à 16h Au Théâtre de Vidy 30 CHF, inscription sur le site Festival Cinéma Jeune Public

Création Vidy

ISRAEL GALVÀN/NIÑO DE ELCHE Mellizo doble (Jumeau double)

Du 7 au 10 octobre Vidy/Pavillon Danse/Musique Durée 1h30 Tarif M Code SMS MELL

Les jumeaux doubles d’un flamenco contemporain réinventé

Dans cet intrépide récital, le danseur Israel Galván et le chanteur Niño de Elche décantent les formes traditionnelles du flamenco (paso-doble, fandango, sevillanas…) pour en extraire leur essence et les libérer. Avec sa danse et ses battements de pieds, Israel Galván construit puis déconstruit des rythmes effrénés, dans des combinatoires sans cesse renouvelées. Il module des séquences qui tantôt se brisent et tantôt s’enchaînent. Le corps traversé de soubresauts percussifs et d’ondes séductrices, il virevolte autour d’un Niño de Elche hiératique. Chaque silence est aussi significatif que chaque son. Avec sa palette vocale allant de la douceur au cri, Niño de Elche égrène parcimonieusement son chant sur les cadences de Galván. Entre une prière intime et une litanie, les ritournelles de Niño de Elche sont ponctuées de borborygmes, d’onomatopées, de vocalises inédites, imagées, pouvant évoquer le vol nerveux d’une abeille comme le bruissement d’une forêt. Ses textes elliptiques sont aussi bien piochés dans la poésie contemporaine espagnole que dans le répertoire traditionnel flamenco et adaptés par ses soins.

Sans partition, sans dramaturgie, les jumeaux doubles d’un flamenco contemporain réinventé harmonisent en contrepoint, autant en dissonance qu’en friction. Parfois dans une oscillation extatique ils se rejoignent à l’unisson. In this intrepid recital, the dancer Israel Galván and the singer Niño de Elche decant the traditional forms of flamenco (paso-doble, fandango, sevillanas...) to extract their essence and liberate them.

ISRAEL GALVÁN/ NIÑO DE ELCHE Séville/Elche

Fils des danseurs José Galván et Eugenia de los Reyes, Israel Galván, né en 1973 à Séville, grandit dans l’atmosphère des tablaos, des académies de danse flamenco et des fêtes. En 1994, il intègre la Compañía Andaluza de Danza de Mario Maya. Suivent notamment La Metamorfosis (2000), Arena (2004), La Edad de oro (2005), El Final de este estado de cosas (2009), La Fiesta où Niño de Elche était présent (2017). Ses créations audacieuses, nées d’une parfaite maîtrise de la culture chorégraphique flamenca et composées à partir de ses états intérieurs, lui valent une renommée internationale. Ouvert à toutes les expérimentations stylistiques, le chorégraphe alterne formes intimistes, grands spectacles et collaborations. Il a créé à Vidy La Edad de oro en 2009, La Curva (Tabula rasa) en 2010 et, avec Sylvie Courvoisier, La Consagracíon de la primavera en 2019. Il présente Lo Real à l’Opéra de Lausanne en 2013 et crée Cast-a-net avec Sylvie Courvoisier en 2018 au Théâtre du Jorat.

Originaire d’Elche dans la région d’Alicante, Niño de Elche commence à jouer de la guitare à huit ans, à chanter à neuf et gagne ses premiers concours de chant dans la foulée. Enfant prodige du flamenco, il se sent très tôt à l’étroit dans cet académisme. Il y intègre alors de multiples influences, punks, électroniques, new wave, et en fait exploser les limites. Il expérimente sans cesse, se permettant toutes les folies vocales, et ouvre sa musique à d’autres disciplines artistiques, comme la performance, la danse, la poésie ou le théâtre. Il a collaboré avec de grands noms du flamenco tels que Miguel Poveda ou Belén Maya, avec des musiciens comme Raül Refree ou Los Planetas, et avec des chorégraphes comme Rocío Molina ou Israel Galván qui participait à la performance Coplas Mecánicas présentée au festival Sonar 2018. En 2020, il donne un concert au Festival Antigel à Genève. À Vidy, il joue dans Una costilla sobre la mesa : Madre d’Angélica Liddell en 2019.

Conception, direction artistique Israel Galván Niño de Elche Chorégraphie et danse Israel Galván Musique et chant Niño de Elche Management Marcos Avilès Productrice déléguée Carole Fierz Production Israel Galván Company Coproduction Teatro Conde Duque Avec le soutien de INAEM

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Création Vidy

HORS LES MURS

MARIELLE PINSARD/ VALENTIN VILLARD/ MATHYLDE DEMAREZ

Requiem pour Rosetta – Une histoire d’amour

Du 13 au 23 octobre Hors les murs/ Église de Saint-François Théâtre/Musique Relâche du sam. 17 au lun. 19.10 Durée estimée 1h10 Tarif M Code SMS REQU VIDY+ Rencontre : mar. 20.10

Une histoire d’amour avec la sonde spatiale Rosetta

Dans l’église Saint-François, Marielle Pinsard et Mathylde Demarez imaginent un requiem pour célébrer une histoire d’amour avec la sonde spatiale Rosetta, disparue à jamais dans la nuit de l’univers. Valentin Villard en compose la musique pour orgue, timbales, sons de l’espace et chœur. Rosetta fit un voyage interstellaire de plus de dix ans, plein de rebondissements émouvants, avant de larguer son petit robot poids plume, baptisé Philae, sur Tchouri, une comète du fin fond de notre système solaire. Cet enfant eut une trajectoire hiératique : tomba de travers, se redressa, puis livra à la terre de précieuses découvertes. En 2004, Marielle Pinsard s’éprit de Rosetta. Voyant partir l’être aimé pour un voyage périlleux et sans retour, elle vécut son périple de plus de dix ans tour à tour surprise, inquiète, fière, émerveillée. Lorsqu’enfin Rosetta arriva au terme de sa mission, les signaux qu’envoya Philae, enfant libre, furent d’une bravoure incroyable.

Marielle Pinsard raconte cette épopée au long cours, de laquelle nous sont revenus, d’un caillou éloigné de plus de cinq cents millions de kilomètres, des secrets sur la naissance de l’univers. Le texte est accompagné par le musicien lausannois Valentin Villard, compositeur, organiste et chef de chœur, qui mêle sons de la NASA, orgue de l’église et un chœur pour ce voyage musical au cœur des mystères de l’existence. In the Saint-François church, Marielle Pinsard and Mathylde Demarez have imagined a requiem to celebrate a love story with the space probe Rosetta, vanished forever into the night of the universe. Valentin Villard has composed a score for organ, timpani, space sounds and choir.

MARIELLE PINSARD/ VALENTIN VILLARD/ MATHYLDE DEMAREZ Lausanne/Bruxelles

Le théâtre de Marielle Pinsard s’ancre dans les réalités sociales et culturelles actuelles. Elle fait ses classes de comédienne à l’École d’art dramatique de Lausanne puis à Berlin et Dessau. Elle joue dans de nombreuses productions avant d’écrire des textes qu’elle met elle-même en scène ou de concevoir des spectacles-events à caractère sociologique et interdisciplinaire. Son premier recueil de textes théâtraux est publié aux Éditions Campiche sous le titre Les pauvres sont tous les mêmes et autres pièces (2009). Elle mène alors un projet d’écriture en Afrique soutenu par la Fondation Leenards qui aboutira notamment à Vidy avec la reprise d’En quoi faisons-nous compagnie avec le Menhir dans les landes ? en 2014 et à la création On va tout dallasser Pamela ! en 2016, Rock trading/ c’est la faute aux enfants/ en 2018 et Je vous ai préparé un petit biotruc au four en 2020. Valentin Villard joue, chante, dirige et compose. Né en 1985 à Lausanne, il suit des études de piano et de théorie musicale

et de clarinette puis de composition à Genève. Il achève sa formation en 2012 au Conservatorium van Amsterdam. Il reçoit alors des commandes pour divers festivals, ensembles vocaux et instrumentaux. Son catalogue musical est très varié, allant de la musique solistique instrumentale à la musique symphonique, en passant par la musique religieuse, la musique d’accompagnement et la musique vocale. Ses œuvres font appel aux techniques d’écriture les plus contemporaines, mais n’oublient pas dramaturgie, hymnes, images sonores et puissance de communion. Quel que soit le genre, elles sont portées par une forme de sublimation, une élévation nourrie de sacré ou de poésie. En 2015 il écrit une partie de la musique de l’opéra Valais 13 et il est l’un des trois compositeurs de la Fête des vignerons en 2019. Diplômée de l’INSAS à Bruxelles en interprétation, Mathylde Demarez partage son travail entre la France et la Belgique. Elle travaille également avec la compagnie suisse Jours Tranquilles. En 2003, elle rejoint la Clinic Orgasm Society, qu’elle codirige avec Ludovic Barth. Ce groupe artistique protéiforme aborde la scène de façon délibérément brute,

décomplexée, expérimentale, populaire et festive, et cherche à hybrider la performance, le théâtre et le bricolage technologique. Marielle Pinsard collabore avec la Clinic Orgasm Society sur plusieurs de leurs créations, notamment Blé (2013) ou Si tu me survis (2016). Église de Saint-François Construite à l’entrée de la ville au XIIIe siècle, l’église réformée Saint-François se situe désormais au centre de Lausanne. Elle est animée par un esprit d’ouverture invitant chacun·e à venir se ressourcer et partager musique ou art sous toutes leurs formes. www.sainf.ch

Texte Joëlle Widder-Greset Marielle Pinsard Mise en scène Marielle Pinsard Mathylde Demarez Musique Valentin Villard Scénographie Mathylde Demarez Chanteur Stephan Imboden Chef de chœur Renaud Bouvier

Chœur Les Vocalistes Romands Organiste Guy-Baptiste Jaccottet Son et spatialisation Daniel Zéa Costumes et accessoires Samantha Landragin Marion Schmid Administration Cristina Martinoni Marie-Charlotte Winterhalter Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Avec Mathylde Demarez (narratrice) Marielle Pinsard (narratrice) Valentin Villard Production Cie Marielle Pinsard Coproduction Théâtre de Vidy-Lausanne Le Tangram Evreux Avec le soutien de Ville de Lausanne Pro Helvetia Loterie Romande Fondation Nicati de Luze Fondation Casino Barrière SSA, Société suisse des auteurs

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Création Vidy

HORS LES MURS

STEFAN KAEGI (RIMINI PROTOKOLL)

Société en chantier

Du 23 au 31 octobre Hors les murs/Palais de Beaulieu Théâtre Relâche lun. 26.10 Durée estimée 2h Tarif M Code SMS SOCI

Une immersion théâtrale dans les paradoxes d’un chantier

Stefan Kaegi observe les chantiers de construction comme des microcosmes concentrant les paradoxes de notre société contemporaine. Dans une grande salle transformée par le scénographe Dominic Huber en vaste chantier, les spectateurs·rices rencontrent tour à tour un ouvrier, une avocate, un urbaniste... Retards de livraison et ajustements de coûts, relations d’interdépendance complexes entre acteurs publics et privés, connexions invisibles à travers le monde... Les grands chantiers révèlent les tensions entre décisions publiques et intérêts privés, intelligence collective et pragmatisme, monde du travail internationalisé et enjeux propres à un territoire. Pour en rendre compte, Stefan Kaegi imagine une déambulation documentaire dans un chantier scénographié, à la rencontre de huit témoins, expert·e·s en droit, maçonnerie, urbanisme, entreprenariat privé, finance ou encore en entomologie... Passant de l’un·e à l’autre, chaque groupe de spectateurs et spectatrices se déplace et interagit avec les autres, représentant tour à tour les différent·e·s acteurs·rices d’un projet de construction.

Basé sur des témoignages et une enquête documentaire approfondie, Société en chantier invente une forme théâtrale ludique pour rendre compte des fondations discrètes de tout chantier, qui déterminent l’espace commun contemporain. Comment se décide l’avenir des espaces dans lesquels nous vivons ? Stefan Kaegi has created an immersive piece in which spectators take on the role of labourers, engineers and financiers. He posits construction sites as microcosms that condense the paradoxes of our contemporary society. An English speaking group is available for the performances of 29, 30 and 31.10

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STEFAN KAEGI Berlin/Lausanne

L’artiste suisse Stefan Kaegi est une des figures majeures du théâtre européen. Avec le collectif Rimini Protokoll, il a contribué à élargir la notion de théâtre documentaire en tentant de dépeindre la réalité sous toutes ses facettes, notamment en faisant appel à des « experts·es du quotidien ». Les membres du collectif font ainsi sortir le théâtre de ses murs, allant à la rencontre de l’espace urbain comme des nouveaux espaces et réseaux de la mondialisation. Invité régulièrement à Vidy, Stefan Kaegi présente Mnemopark (2007), Situation Rooms (2014) et Granma. Les trombones de La Havane (2019), et crée Airport Kids avec Lola Arias (2008), Nachlass – Pièces sans personnes (2016) avec Dominic Huber et Cargo Congo-Lausanne (2018). Il y a aussi créé en 2019 la version française de La Vallée de l’étrange. En 2020, pendant le semi-confinement, il y crée Boîte noire, spectacle déambulatoire pour une personne.

Beaulieu Lausanne Inauguré en 1920 avec la construction de sa première halle, le site de Beaulieu partage un siècle d’histoire avec les Lausannois·es et les Vaudois·es. Haut lieu du patrimoine romand, il abrite le magnifique Théâtre de Beaulieu, la Haute Ecole de Santé La Source et le Béjart Ballet Lausanne, et a longtemps accueilli le mythique Comptoir Suisse. www.beaulieu-lausanne.com

Concept et mise en scène Stefan Kaegi Scénographie Dominic Huber Recherches Viviane Pavillon Dramaturgie Imanuel Schipper Création sonore Stéphane Vecchione Résidence de création et construction du décor Théâtre Vidy-Lausanne Assistanat à la mise en scène Tomas Gonzalez Avec Mélanie Baxter-Jones Geoffrey Dyson Matias Echanove ou Amin Khosravi Tianyu Gu Laurent Keller ou Jérôme Gippet Viviane Pavillon ou Tristan Pannatier Alvaro Rojas Nieto Mathieu Ziegler

Production Théâtre Vidy-Lausanne Coproduction Rimini Apparat La Villette et Festival Paris l’été Bonlieu, Scène nationale Annecy Malraux, Scène nationale Chambéry Savoie Fonds de dotation du Quartz (Brest) Scène nationale d’Albi Festival de Marseille Edinburgh International Festival Avec le soutien de Projet PEPS dans le cadre du programme européen de coopération transfrontalière Interreg France-Suisse 2014–2020 FVE (Fédération vaudoise des entrepreneurs) Fondation Casino Barrière de Montreux D’après Gesellschaftsmodell Großbaustelle (Staat 2), une production de Rimini Protokoll et du Düsseldorfer Schauspielhaus, en collaboration avec Haus der Kulturen der Welt (HKW)

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HORS LES MURS

FRÉDÉRIC FERRER

L’Atlas de l’anthropocène Cartographie 1, À la recherche des canards perdus Le 26 octobre Cartographie 2, Les Vikings et les satellites Le 28 octobre Cartographie 3, Les déterritorialisations du vecteur Le 9 novembre

Cartographie 4, Pôle Nord Le 11 novembre Cartographie 5, WOW ! Le 7 décembre Cartographie 6, De la morue Le 9 décembre

Hors les murs/ Université de Lausanne (UNIL) Théâtre Durée moyenne des cartographies 1h Tarif S Code SMS LATL

Où sont-ils passés ?

À l’UNIL, Frédéric Ferrer, géographe de formation passé au théâtre, présente six conférences/performances, des cartographies théâtrales du monde pour composer un Atlas de l’anthropocène. Il y traite de territoires inattendus, parfois cocasses mais toujours symptomatiques des conséquences du changement climatique – comme des difficultés à l’appréhender. À partir d’une enquête de terrain et d’une recherche en dialogue avec des scientifiques, Frédéric Ferrer écrit, met en scène et interprète de vraies-fausses conférences. Ses interventions confinent à l’absurde et ne manquent pas d’humour – alors même que les connaissances exposées sont rigoureusement exactes et les situations décrites sont pour le moins inquiétantes… Entre savoirs et art, l’entrain de cet auguste conférencier interpelle la conscience et réveille la lucidité.

Cartographie 1, À la recherche des canards perdus En septembre 2008, la NASA lâche 90 canards jaunes en plastique dans un glacier du Groenland pour mesurer la vitesse du réchauffement climatique (véridique). Attendus quelques semaines plus tard dans la baie de Disco, les canards ne réapparaissent jamais. Où sont-ils passés ? Teaser

Cartographie 2, Les Vikings et les satellites Conférence sur l’importance de la glace dans la compréhension du monde (les climato-sceptiques, les réchauffistes et le Groenland). Mille ans après, la disparition des Vikings du Groenland continue de semer la pagaille dans la communauté scientifique. Les satellites peuvent-ils nous aider à comprendre ce qui se joue ? Teaser

Cartographie 3, Les déterritorialisations du vecteur Le moustique tigre, les aires d’autoroute, la dengue et le chikungunya (contribution à une géographie des épidémies). Le vecteur, c’est le moustique tigre, aedes albopictus. Il est rayé et transmet des virus. Originaire d’Asie, il menace aujourd’hui la santé de plusieurs millions d’êtres humains. Comment se protéger d’Albo ? Teaser

Cartographie 4, Pôle Nord Conférence sur un espace d’accélération du monde (la banquise, les hommes, les désirs et la dorsale de Lomonossov). Le pôle Nord, c’est l’avenir. Le devenir du globe est en train de s’y jouer. Ce qui sera révélé ici sera la vérité. Nue. Brute. Particulièrement désespérante, inéluctable. Mais peut-être aussi annonciatrice d’un nouveau monde à habiter et à inventer. Teaser

Cartographie 5, WOW ! Conférence sur nos possibilités de vivre ailleurs (le paradoxe de Fermi, l’équation de Drake et les petits hommes verts). Régulièrement, de nouveaux signes laissent apparaître que la terre ne sera un jour plus vivable. L’humanité devra donc partir. Les premiers signes extraterrestres et la découverte de plusieurs exoplanètes nourrissent quelques espoirs. Teaser

Cartographie 6, De la morue … et des questions vraiment très intéressantes qu’elle pose pour la compréhension de tout un tas de choses du monde d’aujourd’hui (pêche, prédation, sexe, amnésie et pouvoirs en Occident). Pendant plus de cinq siècles, la morue a façonné les paysages et la vie des êtres humains, alimenté un commerce triangulaire puissant, fondé le libéralisme et nourri les esprits et les ventres de millions d’êtres humains. Mais la morue n’est plus là. Teaser

At the Unil, Frédéric Ferrer, a trained geographer whose career path led him to theatre, presents six lecture-performances, theatrical cartographies of the world that compose an Atlas of the Anthropocene. He covers unexpected territories that are sometimes comical, but always symptomatic of the consequences of climate change - as well as the difficulties in understanding it.

UNIL L’Université de Lausanne et ses sept facultés produisent des savoirs dans les domaines des sciences de la vie et de l’environnement et des sciences humaines et sociales. Ancrée dans son territoire, l’UNIL s’engage à comprendre et répondre aux enjeux et défis de notre

temps. Consciente de la nécessité de rester en contact étroit avec son environnement et pionnière dans sa démarche, elle mène de très nombreux projets de médiation scientifique destinés au public le plus large. www.unil.ch

FRÉDÉRIC FERRER Montreuil

Frédéric Ferrer était géographe avant de prendre la scène. Il a gardé de sa formation le goût des frontières et des frottements entre les disciplines. Il écrit les textes et la dramaturgie de ses spectacles après un « travail de terrain », de lectures et de rencontres avec des spécialistes, ce qui lui permet d’ancrer ses fictions à partir d’une source documentaire et/ou d’un espace réel. Ses dernières créations prennent la forme de conférences en solo ou de spectacles avec plusieurs interprètes, débats théâtralisés et absurdes façon COP21. Il travaille aujourd’hui à un nouveau cycle, Olympicorama, mise en jeu théâtrale des jeux olympiques, épreuves après épreuves. À Vidy, il devait présenter Borderline(s) Investigation #1 au printemps 2020, qui a été annulé en raison de la pandémie de Covid-19.

Créations 2010 – 2017 De et avec Frédéric Ferrer

Production Vertical Détour Partenaires Domaine d’O Chartreuse, Centre national des écritures du spectacle Observatoire de l’Espace du Centre national d’études spatiales Établissement Public de Santé de Ville-Evrard Fondation Cartier pour l’art contemporain Le Gallia Théâtre Cinéma Théâtre des Îlets Scène nationale d’Albi Entente Interdépartementale de démoustication (EID Méditerranée) Institut de recherche sur le développement (IRD Montpellier) Institut Français, Ministère des Affaires Étrangères et Européennes A4 Saint-Jean d’Angély Derrière Le Hublot Le Vaisseau, fabrique artistique au Centre de Réadaptation de Coubert UGECAM Avec le soutien de Département de la SeineSaint-Denis Laboratoire Arts-Sciences du Centre National d’Études Spatiales Département de Seine-etMarne

UNIL

VIDY

Un programme de médiation scientifique de l’UNIL autour de l’Atlas de l’anthropocène de Frédéric Ferrer

Chaque lundi, après la performance de Frédéric Ferrer, un trio de spécialistes débattra des enjeux scientifiques soulevés lors de la cartographie en présence de l’artiste. Un système numérique participatif, accessible via smartphone, permettra au public de prendre part activement aux échanges entre l’artiste et les expert·e·s.

Lundi 26.10 Augustin Fragnière, docteur en sciences de l’environnement et philosophe du Centre interdisciplinaire de durabilité de l’UNIL; Frédéric Herman, doyen de la Faculté des géosciences et de l’environnement de l’UNIL, chercheur à l’Institut des dynamiques de la surface terrestre; Samuel Jaccard, géologue océanographe à l’UNIL, seront présents pour discuter des enjeux sur la pente glissante du réchauffement climatique et de la fonte des glaciers !

Lundi 9.11 Didier Pittet, médecin-chef du service de prévention et contrôle de l’infection et directeur du Centre Collaborateur pour l’Organisation mondiale de la santé (OMS) pour la sécurité des soins, Hôpitaux Universitaires et Faculté de Médecine de Genève; Daniel Cherix, professeur au Département d’écologie et évolution de l’UNIL et expert du groupe romand pour le suivi du moustique tigre; Valérie D’Acremont, infectiologue spécialiste en médecine tropicale et des voyages du Centre hospitalier universitaire vaudois, seront présents dans l’auditoire pour discuter de la présence du moustique tigre en Europe et notamment en territoire helvétique ! Une interaction qui s’annonce rugissante avec le public.

Lundi 7.12 Marc Atallah, historien et philosophe de la sciencefiction au Centre des sciences historiques de la culture de l’UNIL; Gabriel Salerno, doctorant à l’Institut de géographie et durabilité de l’UNIL; Théodore Besson de l’EPFL et du Earth Space Technical Ecosystem interviendront pour discuter des enjeux et des questions liées aux discours catastrophistes et des exoplanètes. Une rencontre qui nous promet d’être cosmique !

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Création Vidy

Scolaires dès 12 ans

MURIEL IMBACH

Arborescence programmée

Spectacle pour salles de classe, réservé aux écoles Théâtre Durée 1h30 (45 min de spectacle + 45 min de discussion avec l’équipe artistique)

Une plongée au cœur du monde végétal, dans les salles de classe

Le Théâtre Vidy-Lausanne a invité la metteure en scène Muriel Imbach à concevoir un spectacle sur l’écologie pour les écoles. Nourri de rencontres avec des scientifiques, des philosophes et des élèves, Arborescence programmée est une plongée au cœur du monde végétal, adressée aux adolescent·e·s, qui se joue directement dans les salles de classe. Porté par un comédien, sorte de scientifique un peu fou et attachant, le spectacle aborde les questions d’environnement et d’écologie « par la marge », de manière sensible et poétique plutôt que frontale et didactique, en faisant appel à l’imaginaire des jeunes spectateurs·rices. Partant de la question « En quoi le monde végétal pourrait-il nous inspirer ? », Muriel Imbach tisse des liens entre la communication humaine sur les réseaux sociaux, les données invisibles d’Internet et les réseaux également invisibles de communications, d’échanges et de forces reliant les éléments d’une forêt. Afin de rendre palpables ces relations invisibles et d’immerger le public dans une expérience du végétal, Muriel Imbach et son équipe ont imaginé un dispositif dans lequel le son joue un rôle essentiel.

Le public et le comédien portent un casque audio sans fil, la création sonore permettant de convoquer dans la salle de classe des paysages réalistes ou imaginaires, de changer de lieu ou d’échelle (de la fourmi dans l’écorce au sommet d’un arbre gigantesque), de voyager dans le temps et même de faire entendre des choses que le comédien pourrait vouloir cacher… Théâtre Vidy-Lausanne has invited director Muriel Imbach to create a piece on ecology for touring in schools. Inspired by encounters with scientists, philosophers and students, Planned Arborescence is a show aimed at teenagers, a dive into the heart of the plant world which plays out directly in the classroom.

MURIEL IMBACH Lausanne

Les grandes questions ont toujours fait partie de l’éducation de Muriel Imbach, élevée par un père philosophe. En 2004, elle crée la compagnie de théâtre La Bocca della Luna. En 2013, elle découvre la philosophie avec les enfants, une discipline qui travaille avec eux sur la réflexion, la construction d’un jugement, le vivre ensemble, la morale et l’éthique. Nourrie de ces recherches et méthodologies, elle crée Le Grand Pourquoi en 2014 et Bleu pour les oranges, rose pour les éléphants en 2016. Philosophie et théâtre deviennent alors indissociables pour elle. Depuis 2017, ses créations prennent leur source dans des ateliers et des discussions et s’inspirent directement des réflexions entendues en classe. En 2019, elle crée Les Tactiques du Tic Tac, une enquête poétique sur le temps qui tourne et À l’envers à l’endroit dans le cadre du festival Les Créatives.

Conception, écriture et mise en scène Muriel Imbach Collaboration artistique Adina Secretan Création son Jérémie Conne Consulting pour la création lumière, scénographie, costumes Antoine Friderici Neda Loncarevic Isa Boucharlat Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Administration Joanne Buob Avec Fred Ozier Production Cie Bocca della Luna Théâtre Vidy-Lausanne Coproduction L’Échandole Avec le soutien de Université de Lausanne Service Culture et Médiation scientifique Centre interdisciplinaire de durabilité Ce spectacle est soutenu par LaB E23, programme Interreg France-Suisse 2014-2020 bénéficiant d’un soutien financier du FEDER.

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INFOS ENSEIGNANT·E·S

Le spectacle Arborescence programmée est prévu pour être joué dans des salles de classe. Nombre d’élèves par représentation maximum 2 classes par représentation (soit 52 élèves max.) Dates de la tournée 20/21 dans les classes de Lausanne et environs : – Semaine du 26 au 30 octobre 2020, du lundi au vendredi – Le 9, 10, 16, 17 ainsi que 25 et 26 novembre 2020 – Semaines du 30 novembre au 11 décembre 2020, du lundi au vendredi – Semaines du 1er février au 19 mars 2021, du lundi au vendredi

installé puis démonté par l’équipe du spectacle, qui doit pouvoir accéder à la salle, équipée d’une prise électrique, 30 minutes avant le début de la représentation. Prix sur demande

Horaires Il est possible de réserver une représentation le matin ou l’après-midi, à convenir avec le théâtre en fonction de votre horaire de cours. Lieu Votre salle de classe. Aucune préparation ou installation préalable de l’espace n’est nécessaire de votre part. Tout le matériel technique — casques, micro, ordinateur — est amené et

Enseignant·e

Création Vidy

FRANÇOIS-XAVIER ROUYER La Possession

Du 27 au 31 octobre Vidy/Pavillon Théâtre Durée estimée 2h Tarif M Code SMS LAPO VIDY+ Rencontre : jeu. 29.10

ÂŠ Charles Walker Collection / Alamy Stock Photo

Les fantĂ´mes des vies possibles

François-Xavier Rouyer réunit un quatuor d’interprètes dans une scénographie de monde abandonné pour mettre en scène une histoire digne des plus angoissants films d’épouvante : une femme esseulée découvre qu’on lui a jeté un sort. Un inconnu lui propose alors d’entrer dans le corps d’une autre et de refaire sa vie… Dans un monde froid et technique, où le moindre échec isole et les fantômes des vies possibles hantent indéfiniment l’esprit, une femme traverse une période de détresse. Elle se retrouve prisonnière de son destin, comme si elle n’avait pas le pouvoir de reprendre sa vie en main. Elle comprend alors que quelqu’un cherche à lui nuire, qu’elle a été ensorcelée. Une personne se présente à son domicile, compatissante, attentive et lui propose une solution : briser le sort en sortant d’elle-même et réinventer sa vie en colonisant un autre corps. Tel un virus, dévorer une chose de l’intérieur, la remplacer peu à peu. Pour François-Xavier Rouyer, le théâtre est un espace mystique où la vie peut prendre de multiples formes.

Franรงois-Xavier Rouyer brings together a quartet of performers in a scenography reminiscent of an abandoned world, to stage a story worthy of the most frightening horror films: a lonely woman discovers that a spell has been cast on her. A stranger then offers her the chance to enter the body of another person and start a new life...

FRANÇOIS-XAVIER ROUYER Lausanne

Né en 1985, François-Xavier Rouyer poursuit parallèlement des études de cinéma à Paris et de théâtre à La Manufacture de Lausanne. Il crée ensuite Hôtel City, œuvre composite entre cinéma, théâtre et installation plastique, réunissant 50 comédien·ne·s issu·e·s de La Manufacture, présentée au festival NEW-NOW d’Amsterdam et au Centre d’Art Contemporain de la Chaux-de-fonds en 2016. Il collabore régulièrement avec Robert Cantarella, Gildas Milin ou Philippe Quesne. Il écrit et met en scène L’autre Cool, spectacle de sortie de la promotion 2018 de l’ENSAD Montpellier. Avec Mathias Brossard et Romain Daroles, il fonde la compagnie suisse La Filiale Fantôme. À Vidy, il a présenté une adaptation de L’Ève Future de Villiers de l’Isle-Adam pour la fin de son master en 2014.

Texte et mise en scène François-Xavier Rouyer Scénographie et lumière Hervé Coqueret Son Charles-Édouard de Surville Collaboration artistique Mathias Brossard Administration Marianne Aguado Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Avec Pauline Belle Romain Daroles Mélina Martin Julia Perazzini Production La Filiale Fantôme, La Multinationale Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Théâtre Saint-Gervais Genève Théâtre Nanterre-Amandiers Avec le soutien de Porosus Pro Helvetia Centre culturel suisse Paris Loterie Romande Fondation Ernst Göhner Pour-cent culturel Migros Ville de Lausanne (en cours)

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Création Vidy

MOANDA DADDY KAMONO/ MAGALI TOSATO Profil

Du 28 octobre au 7 novembre Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre Relâche dim. 1 et lun. 2.11 Durée estimée 1h30 Tarif M Code SMS PROF VIDY+ Rencontre : mar. 3.11

Désassigner

Un acteur congolais se présente à une audition. Il est à l’heure, mais le planning a du retard. Dans la salle d’attente l’espace-temps se dilate et, entre les murs froids, résonne la tension intérieure de celui qui avance vers son but : obtenir le rôle. Mais le couperet tombe : il n’a pas le profil… Alors, comme dans un cauchemar lorsqu’il faut fuir mais que les jambes se dérobent, l’acteur lutte pour préserver sa dignité dès l’instant où il se voit humilié et rejeté à l’endroit même où avait tendu son désir le plus profond. Moanda Daddy Kamono déploie une parole poétique, viscérale et percutante pour traduire la sensation indescriptible que provoquent les mécanismes de discrimination : un mélange d’incompréhension, de douleur, de honte, de révolte, de peur et de colère qui réveille des mémoires enfouies. Il entraîne les spectacteurs·rices dans le tourbillon intérieur d’un être envahi par des images de guerre et de violences qui se bat pour réunir en lui des réalités qui s’affrontent et choisit le théâtre comme terrain de résilience.

Profil est un appel au dialogue en forme d’autofiction porté par l’énergie de Moanda Daddy Kamono, acteur régulier de Faustin Linyekula, Dieudonné Niangouna ou Stanislas Nordey. Accompagné par un musicien, il retrouve Magali Tosato à la mise en scène. À partir d’un événement particulier, il et elle décrivent l’impact d’une blessure universelle dont souffrent et – pour une raison ou une autre – ne correspondent pas au profil. A Congolese actor shows up for an audition. He’s on time, but the schedule is running late. In the waiting room, space-time expands and, between the cold walls, resounds the inner tension of the actor advancing towards his goal: getting the role. But the axe falls: he doesn’t have the right profile...

MOANDA DADDY KAMONO/ MAGALI TOSATO Paris/Lausanne

Moanda Daddy Kamono commence le théâtre à dix-sept ans à Kinshasa. Il assiste Faustin Linyekula à la mise en scène pour sa première pièce au Congo, Spectacularly Empty, avant de partir pour la France. Il se forme de 2003 à 2006 à l’École Supérieure Dramatique du Théâtre National de Bretagne, sous la direction de Stanislas Nordey. Il joue ensuite régulièrement sous la direction de Faustin Linyekula ou Stanislas Nordey, notamment dans Par les villages de Peter Handke créé dans la Cour d’honneur du Palais des papes en Avignon en 2013. À Vidy, il a participé à la création de Nkenguegi écrit et mis en scène par Dieudonné Niangouna en 2016, puis à celle d’Amour/Luxe de Magali Tosato en 2017, et a joué dans Congo d’Éric Vuillard, mise en scène et chorégraphie de Faustin Linyekula en 2019.

Magali Tosato se forme en histoire et en littérature française à l’Université de Lausanne. Elle passe un an au Conservatoire de Genève avant de rejoindre la Haute école de théâtre Ernst Busch de Berlin où elle étudie la mise en scène. De retour à Lausanne, elle fonde la compagnie Mikro-kit. En Allemagne, elle signe plusieurs mises en scène avec les ensembles des théâtres de Munich et de Berlin. Grâce à la Bourse de compagnonnage théâtral du Canton de Vaud et de la Ville de Lausanne et à l’accompagnement de Vidy pour la relève, elle a créé une mise en scène de Hamlet dans les salles de classe de la région, Home-Made en 2016 – interrogeant le lien des enfants à leur mère et à leur pays –, puis Amour/Luxe en 2017 sur l’amour dans le regard de la loi sur l’immigration.

Texte Moanda Daddy Kamono Mise en scène Magali Tosato Scénographie et costumes Franziska Keune Musique Rodriguez Vangama Dramaturgie Lydia Dimitrow Chorégraphie Djodjo Kazadi Lumière Théo Sérez Avec Moanda Daddy Kamono Production Compagnie Na Kati Compagnie Mikro-kit Théâtre Vidy-Lausanne Coproduction Théâtre Benno Besson

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HORS LES MURS

Imaginaires des futurs possibles saison 2

VINCIANE DESPRET Enquêter avec d’autres êtres

Un cycle de rencontres et d’expérimentation collective avec la philosophe Vinciane Despret

Les 31 octobre, 9 janvier, 6 mars, 27 mars Hors les murs/ Université de Lausanne (UNIL) 10h – 13h : Conférence puis Enquête collective Entrée libre sur inscription dans la limite des places disponibles. Pour cette expérimentation collective en effectif plus réduit, la participation aux quatre enquêtes est nécessaire. Merci de vous assurer de votre disponibilité aux différentes dates du cycle. Si toutefois vous ne pouviez être présent à une des enquêtes, vous avez la possibilité de désigner une personne à qui vous confiez votre place.

ÂŠ Valentin Bianchi / Hans Lucas

Imaginaires des futurs possibles est un « espace » de réflexion et de recherche, collectif et participatif, proposé par le Théâtre Vidy-Lausanne et l’UNIL. Après une première édition en 19/20 en compagnie du philosophe Dominique Bourg, c’est autour de la philosophe des sciences Vinciane Despret que se retrouveront artistes, chercheurs·ses et spectateurs·rices pour une expérimentation collective intitulée Enquêter avec d’autres êtres. Vinciane Despret explore la diversité de nos relations avec ce qui nous entoure à travers des enquêtes qui mêlent sciences et observations. Elle propose de partager cette façon singulière d’articuler et nourrir ses réflexions d’enquête lors de quatre rendezvous les samedis matins au fil de la saison à l’UNIL. Le cycle se conclura par un cinquième rendezvous à Vidy, issu d’un atelier qui réunira, en parallèle au cycle, artistes et scientifiques autour de Vinciane Despret.

Enquêter avec d’autres êtres Par Vinciane Despret

Une enquête ne vise pas tant à décrire une expérience mais à la faire exister1. À ce titre, toute enquête est d’abord et avant tout une expérimentation2 : elle assume de modifier ce qu’elle se donne comme objet à étudier. Il ne s’agit donc pas tant de décrire, à froid ou à distance, une réalité qui préexisterait à la description, mais d’accompagner un problème, une expérience que vivent des personnes ou des collectifs, et de donner à ce problème ou à cette expérience une existence collective. Ce qui veut dire que toute enquête se fait toujours sur le mode de la « reprise » : il s’agit de se ressaisir du problème, de le penser avec les personnes que ce problème concerne, de lui donner plus de consistance, d’ajouter de l’intérêt par rapport à cette situation ou à ce problème transformé en expérience partagée. En ce sens, si nous contribuons à faire exister ce que nous étudions, nous le faisons en sachant que « les personnes concernées le font très bien sans nous – et à condition que lesdites personnes puissent reprendre notre travail »3.

Si les sciences sociales sont devenues spécialistes des enquêtes, nombre d’artistes aujourd’hui se sont saisi·e·s de cet outil pour tenter, par le théâtre, l’écriture, le cinéma, la danse, la musique ou les arts plastiques, de penser, de donner voix à des expériences collectives, d’assurer eux·elles-mêmes la reprise et la mise en expérience. De ce fait, les artistes enquêtent sur des mondes en train de se faire. Et leur travail non seulement ajoute aux « façons » que le monde a de se faire en donnant des formes particulières, mais il confère au problème sur lequel se construit l’enquête la possibilité de toucher, de concerner plus de personnes, d’élargir les collectifs pour lesquels ce problème se mettra à compter.

Quatre problèmes/expériences/objets d’enquêtes vont guider notre aventure collective des « Imaginaires des futurs possibles ».

Cf. le sociologue Antoine Hennion 2 Cf. le philosophe pragmatiste américain John Dewey 3 Antoine Hennion 1

Samedi 31.10

Première enquête : désassigner La première expérience qui conduira l’enquête se construira autour de l’expérience de l’assignation. Comment certaines expériences par lesquelles un être se voit assigner une identité qui l’affaiblit, le disqualifie, l’enferme peuvent-elles être rejouées ? Comment constituer une enquête qui « dés-assigne », c’est-à-dire qui soit à la fois critique dans la mesure où elle déjoue la « prise » de l’assignation en la rendant intelligible et publique, et pragmatique, au sens où elle propose, à celles et ceux qui s’en sont vus désappropriés, de se « réapproprier » le pouvoir de se définir. C’est sans doute là le motif de nombre d’enquêtes. Et c’est en ce sens qu’elles convoquent de nombreux régimes et parmi ceux-ci le régime de la fiction, particulièrement à même de susciter des postures actives et surtout l’imagination – non seulement pour penser que cela aurait pu être autrement, mais également pour faire activement exister un « autrement ». Spectacles en lien avec l’enquête Danses pour une actrice (Valérie Dréville) de Jérôme Bel Catarina ou la beauté de tuer des fascistes de Tiago Rodriguez Profil de Moanda Daddy Kamono mis en scène par Magali Tosato Go Go Othello de Ntando Cele

Samedi 9.01

Deuxième enquête : faire récit avec les animaux Depuis quelques années, nombre d’artistes ont tenté l’aventure de travailler avec des animaux. Non plus « sur » eux, non plus en leur demandant d’être des modèles ou des prétextes à représentations, mais en tentant de découvrir le monde avec eux, en leur compagnie, créant de nouvelles manières d’être ensemble des « espèces compagnes ». Ici encore il s’agit de véritables enquêtes sur lesquelles nous alignerons nos pas : que veut dire habiter le monde avec un poulpe ou un corbeau pie ? Que nous font-ils faire et que nous font-ils devenir ? Et quels régimes de fiction devons-nous convoquer pour penser un devenir humain différent avec eux ?

Spectacles en lien avec l’enquête Là de Baro d’Evel Temple du présent – Solo pour Octopus de Stefan Kaegi

Samedi 6.03

Troisième enquête : apprendre à convoquer Convoquer, l’étymologie nous le souffle, c’est, avec la voix, faire venir près de soi, rassembler – peut-être même, sur le mode de l’invocation qui partage la même racine, « faire exister ». Mais ne doit-on pas imaginer une torsion à l’étymologie et penser que « convoquer », c’est faire entendre d’autres voix ? Faire entendre celles et ceux que l’histoire a rendu·e·s muet·e·s ? Ainsi peut-on reprendre des enquêtes qui ont laissé pas mal de ses acteurs en retrait, mener des contreenquêtes qui défont une trame d’histoire trop vite ficelée, un récit trop vite fermé – que ce soient des animaux qui n’ont pas eu voix au chapitre ou des humains dont l’histoire a passé l’existence sous silence.

Spectacles en lien avec l’enquête Farm fatale de Philippe Quesne Contre-enquêtes d’après Kamel Daoud, mis en scène par Nicolas Stemann

Samedi 27.03

Quatrième enquête : faire une place aux mort·e·s L’irruption de la mort donne toujours lieu à une multiplicité d’enquêtes. Enquête au sens banal, d’abord, puisque certaines morts demandent que soient élucidées les conditions du décès. Mais d’autres enquêtes sont mises en œuvre par les vivant·e·s, et ce dès la disparition. Le deuil, loin de se résumer à un processus de chagrin ou d’oubli progressif s’avère être une en-quête qui, souvent, prolonge la relation avec le ou la disparu·e. Que souhaiterait le défunt ou la défunte ? Où est-il ? Quelle place lui donner ? Quel hommage doit-on lui témoigner ? Comment souhaite-t-elle qu’on fasse mémoire ? Comment voudraitil qu’on hérite ? Que doit-on faire à sa place maintenant qu’elle n’est plus ? Qu’attendil de moi ? Nombre de personnes disent par exemple regretter de ne pas avoir pu poser les questions du temps du vivant d’un père ou d’une mère : n’est-ce pas le signe d’une enquête en cours ? Plus largement, notre propre enquête accompagnera une question qui se pose de manière toute particulière aujourd’hui : comment honorer les mort·e·s au XXIe siècle ? Spectacles en lien avec l’enquête Familie de Milo Rau Je crois que dehors c’est le printemps de Gaïa Saitta

Fin avril, à Vidy Une dernière rencontre constituera le geste de reprise de toutes ces enquêtes, en réactivant la dimension expérimentale – c’est-à-dire ouverte, indéterminée, à créer – de toute enquête vivante. Qu’avons-nous appris ? Qui nous a rejoints dont nous n’attendions peut-être pas la venue ? Qui avons-nous réussi à faire entendre ? Et quelles histoires à présent s’ouvrent devant nous ?

VINCIANE DESPRET Liège

Après une licence en philosophie, Vinciane Despret entreprend des études de psychologie. Elle découvre l’éthologie et se passionne pour ces nouvelles recherches. Elle s’oriente alors vers la philosophie des sciences et se propose de suivre les scientifiques sur leurs terrains, dans leur pratique. Après une thèse sur les émotions chez les humains et les animaux, elle poursuit une carrière de chercheuse et d’enseignante à l’Université de Liège. Elle est l’auteure de nombreux ouvrages sur la question animale et sur la relation entre les vivant·e·s et les mort·e·s. Le fil rouge qui conduit ses enquêtes est la question des bons dispositifs de recherches : comment arrive-t-on (ou non) à rendre les êtres intéressants ? Comment une recherche enrichit-elle la situation qu’elle tente de décrire ? À Vidy, elle a participé à deux projets de Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre : Après la fin, le congrès lors de la nuit Slow Life en 2016 et en écrivant les paroles de la chanson belge wallone pour le Concours européen de la chanson philosophique (2019).

Un projet conçu par Vinciane Despret, l’UNIL et le Théâtre Vidy-Lausanne Avec la collaboration de Claire de Ribaupierre et les équipes de l’UNIL et de Vidy Avec Vinciane Despret Production Théâtre Vidy-Lausanne UNIL

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NACERA BELAZA L’Onde

Du 4 au 7 novembre Vidy/Pavillon Danse Durée estimée 50 minutes Tarif M Code SMS LOND VIDY+ Rencontre : jeu. 5.11

Un rythme pulsé qui relie l’âme à l’espace et au temps

La chorégraphe franco-algérienne explore des rituels anciens qui irriguaient souterrainement son œuvre jusqu’ici. L’être et l’infini, le tournoiement de l’espace et du temps, le lâcher-prise à l’origine du dépassement de soi viennent hanter cette danse unique qui réveille la pulsation fondamentale et les images mouvantes resurgies des temps anciens. La danse de Nacera Belaza relève du cheminement intérieur davantage que de l’illustration imagée. Abstraite et charnelle, puissante et diaphane, organique et ouverte sur l’infini, elle part du vide pour se projeter dans l’inconnu, à la recherche d’un souffle ou d’une pulsation aussi libre que régénérée, vitalisée. Son œuvre chorégraphique organise un vivifiant dialogue entre les cultures algérienne et européenne, entre la spiritualité et l’image, le mouvement et l’imaginaire. Pour cette nouvelle création, elle s’est inspirée d’archives audiovisuelles de rituels traditionnels. Elle n’en garde pas les formes mais un état, une tension, une manière d’être au monde fait de paix intérieure, de

lâcher-prise, d’accueil de l’infini en soi – et animé par un rythme pulsé qui relie l’âme à l’espace et au temps. Portée par une bande-son qui mêle jusqu’à les confondre tradition et modernité, cette pièce pour cinq danseuses explore à nouveau le pouvoir de transformation du corps par l’imaginaire, par la force de la conscience et de l’esprit, et invite à une nouvelle sérénité. The Franco-Algerian choreographer explores the ancient rituals that have been secretly informing her work until now. Being and infinity, the swirling of space and time and the letting go that leads to surpassing oneself, all come to haunt this unique dance that awakens fundamental pulsations and moving images from ancient times.

NACERA BELAZA Paris

Née en Algérie, résidant en France depuis ses cinq ans, Nacera Belaza développe une chorégraphie qui prend sa source dans un cheminement intérieur. Répétition du geste, lenteur infinie, étirement du temps : ses pièces explorent le mouvement comme on explorerait un souffle serein, profond et continu. Après des études de lettres modernes à l’Université de Reims, elle crée sa propre compagnie en 1989 après un apprentissage autodidacte de la danse. Dans ses pièces, chaque élément – la lumière, l’espace, le temps, le corps – se répond sur le plateau en développant une scénographie qui lui est propre. Dans un continuel va-et-vient entre les deux rives, Nacera Belaza a fondé une coopérative artistique en Algérie où elle propose des activités de formation et de sensibilisation des publics à l’art contemporain et au geste dansé. À Vidy, elle a présenté La Nuit, La Traversée, Sur le fil en 2017 et Le Cercle en 2018.

Création octobre 2020

Chorégraphie, son et lumière Nacera Belaza Régie générale Christophe Renaud Avec Nacera Belaza Aurélie Berland Bethany Emmerson Magdalena Hylak Mélodie Lasselin

Avec le soutien de Région île-de-France, Aide à la création Spedidam SACD dans le cadre du programme duo Institut français, Ville de Paris Points-communs, nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise

Production Compagnie Nacera Belaza Coproduction Kunstenfestivaldesarts Charleroi danse, centre chorégraphique de Wallonie Festival de Marseille deSingel, Campus International des Arts MC93 Bobigny LUMA Foundation ICI, Centre chorégraphique national Montpellier, Occitanie L’Arsenal-Cité musicale-Metz Atelier de Paris

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Création Vidy

ÉMILIE CHARRIOT

Outrage au public de Peter Handke

Du 11 au 21 novembre Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre Relâche dim. 15.11 et lun. 16.11 Durée 1h05 Tarif M Code SMS OUTR VIDY+ Rencontre : jeu. 19.11

La présence libre de l’acteur et la relation forte qui le lie au public

Émilie Charriot trouve au théâtre la possibilité d’une relation intense, fragile autant que forte, comme il ne peut peut-être pas y en avoir dans la vie. Avec ce texte de Peter Handke, dit par Simon Guélat, elle explore ce que devient la présence de l’acteur une fois les fausses attentes défaites. Écrit en 1966, Outrage au public est la première pièce du futur Prix Nobel de littérature. Le dramaturge autrichien y cherche déjà à contrer les images irréelles et convenues produites par les médias et les habitudes lasses. Il leur oppose une authenticité des êtres renouvelée par le regard et l’écoute. Le langage est alors pour lui l’outil pour voir et entendre, si ce n’est mieux, du moins un peu plus clairement, lucidement – il déploie alors une langue sobre qui décrit, ausculte et interroge. Après avoir mis en scène la parole féministe contestataire de Virginie Despentes puis la passion amoureuse assumée par Annie Ernaux, Émilie Charriot s’empare de ce texte de Peter Handke qui demande ce que nous attendons du théâtre. Un drame, un conflit, des personnages, des dialogues… ? L’unique personnage s’y refuse et renvoie la question au public.

Alors peu à peu se fait jour ce qui hante et nécessite le théâtre par-delà les métaphores : la présence libre de l’acteur et la relation forte qui le lie au public. La metteuse en scène confie ce texte sans concession à Simon Guélat, jeune acteur formé à La Manufacture révélé au grand public par le film 120 battements par minute. For Émilie Charriot, theatre holds the possibility of an intense relationship, as fragile as it is strong, in a way that is hardly possible in everyday life. With this text by Peter Handke, spoken by Simon Guélat, she explores what happens to the presence of the actor once false expectations have been swept aside.

ÉMILIE CHARRIOT/ PETER HANDKE Lausanne

Diplômée de La Manufacture en 2012, la Lausannoise Émilie Charriot invente un théâtre sur le fil des lois morales et traversé d’humour, de tendresse et de transgression – mettant en scène le plus souvent un·e comédien·ne, un texte et une lumière sur un plateau nu. Son théâtre est frontal, scène de l’exposition et de l’affirmation, à commencer par l’affirmation de soi et d’un « être-femme » qui s’assume autant qu’il s’interroge. En 2014, elle met en scène King Kong Théorie d’après Virginie Despentes puis en 2016 Ivanov d’après Tchekhov à l’Arsenic. À Vidy, elle a créé Le Zoophile d’Antoine Jaccoud et Passion simple d’Annie Ernaux en 2017.

Romancier, essayiste, dramaturge, poète, scénariste et réalisateur autrichien, Peter Handke est associé à l’avant-garde littéraire dès ses débuts dans les années 60. Embrassant tous les genres, ses écrits interrogent les images fausses du monde et l’insuffisance du langage et exposent une quête continue de soi à travers les mystères de l’existence ordinaire. En 2019, il reçoit le Prix Nobel de littérature.

Texte Peter Handke Mise en scène Émilie Charriot Création lumière Yan Godat Costumes Caroline Spieth Préparation physique Anne Delahaye Administration, production Virginie Lauwerier Adèle Ottiger Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Avec Simon Guélat Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Théâtre Saint-Gervais

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Tout Public dès 8 ans

HUGO ARCIER/ CYRIL TESTE ÉDEN

Du 12 au 21 novembre Vidy/Pavillon Réalité virtuelle/Exposition Relâche dim. 15.11 Durée environ 30 minutes, départ des visites toutes les 20 minutes Tarif XS

l’expérience virtuelle d’une nature sauvage

Conçu par l’artiste 3D Hugo Arcier et le metteur en scène Cyril Teste, ÉDEN est un dispositif en réalité virtuelle, une fiction visuelle, sonore et olfactive dans laquelle l’attention portée autour de soi fait apparaître arbres, plantes et fleurs, accompagnée d’une exposition d’images virtuelles animées évoquant une nature fascinante ou disparue. Dans ÉDEN, une nature luxuriante et diverse, cocréé avec les autres spectateurs·rices, foisonne tout autour : porter son attention sur un paysage y fait pousser des plantes. Des aléas ponctuent le récit : le vent se soulève et un orage, peut-être, éclate. Une création sonore et un système de diffusion olfactive accentuent le sentiment d’immersion, et l’on peut entendre le bruissement des feuilles, une mélodie archaïque ou sentir le parfum de la terre humide. Peu à peu, les îlots de végétation épars se relient et la Nature se déploie, libre et exubérante, réveillant l’émerveillement. ÉDEN propose l’expérience virtuelle d’une nature sauvage, non paysagée, dont l’humain porterait en lui la nostalgie et l’enchantement, cette émotion particulière ressentie au contact de paysages grandioses et de phénomènes « magiques » que prolonge

l’exposition des vidéos d’Hugo Arcier. Réactivé par l’image virtuelle et la poésie, le sentiment d’être fibre du tissu du vivant – et non simple spectateur·rice d’un système « étranger » à soi – revalorise la perception et la compréhension intime de la biodiversité. Designed by 3D artist Hugo Arcier and director Cyril Teste, ÉDEN is a virtual reality experience, a visual, aural and olfactory fiction in which attention paid to one’s environment makes trees, plants and flowers appear, accompanied by an exhibition of animated virtual images that evoke a fascinating and vanished nature.

Teaser

HUGO ARCIER/ CYRIL TESTE Paris

Hugo Arcier est un artiste numérique français qui utilise les images de synthèse 3D sous plusieurs formes : vidéos, tirages, sculptures. Se consacrant d’abord aux effets visuels pour des longs-métrages, il travaille pour des réalisateurs prestigieux comme Alain Resnais. Il acquiert ainsi une connaissance pointue de l’outil numérique. Il élabore alors des œuvres plastiques et réflectives mobilisant images de synthèse 3D et des mondes virtuels. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreux festivals, dans des expositions collectives dans des galeries et lieux institutionnels. En 2017, il fonde le studio de création N°130 spécialisé dans les nouvelles images utilisées dans un cadre artistique.

Vidy présentera au Théâtre du Jorat une adaptation théâtrale et filmique de La Mouette d’Anton Tchekhov mise en scène par Cyril Teste en juin 2021.

Cyril Teste s’intéresse aux arts plastiques avant de se consacrer au théâtre à l’École régionale d’acteurs de Cannes puis au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. Il fonde en 2000 le Collectif MxM, un noyau créatif modulable rassemblant artistes et technicien·ne·s. Il y développe son regard singulier d’auteur, plasticien et vidéaste, guettant l’entrelacement du réel et du fantastique et les phénomènes d’une société à la fois archaïque et électronique. Depuis 2011, Cyril Teste et le Collectif MxM travaillent sur le concept de performance filmique (tournage, montage, étalonnage et mixage en temps réel sous le regard du public), forme très maîtrisée d’écriture théâtrale appuyée sur un dispositif cinématographique. À Vidy, il a présenté une adaptation de Festen de Thomas Vinterberg et Mogens Rukov en 2019. L’installation ÉDEN est lauréate du prix SENSible du Geneva International Film Festival 2019.

Création 2019

Direction artistique Hugo Arcier Cyril Teste Création graphique et développement N°130 Creative Studio : Hugo Arcier (artiste 3D) Robin Maulet (supervision) Étienne Champagne (développement) Illustration olfactive Francis Kurkdjian Musique originale Nihil Bordures Chef opérateur son Thibault Lamy Coordination et diffusion Coline Dervieux Florence Bourgeon (MxM) Administration Olivier Lataste (BSN) Production Collectif MxM - Bonlieu, Scène nationale Annecy Coproduction Théâtre Saint-Gervais Genève Soutenu par le programme PEPS de coopération territoriale européenne INTERREG V France-Suisse

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HORS LES MURS

CHRISTOPH MARTHALER

Das Weinen (Das Wähnen) (Pleurer [Imaginer])

Du 11 au 13 novembre Hors les murs/Opéra de Lausanne Théâtre/Musique En allemand, surtitré en français et en anglais Durée estimée 1h45 Tarif Opéra Code SMS DASW

© Dieter Roth, Selbstturm, 1969-1998, photo: Tom Bisig, Basel Fondation Emanuel Hoffmann, prêt permanent à la Öffentliche Kunstsammlung Basel (Standort St. Alban-Rheinweg, Basel) © Dieter Roth Estate Courtesy Hauser& Wirth

L’altération du corps, de l’esprit et du chocolat face à la lenteur du temps

Le théâtre musical de Christoph Marthaler puise son humour et sa légèreté dans l’observation des accidents improbables de l’existence. Cette comédie mélancolique, chorale et musicale, jouée dans une drôle de pharmacie, est inspirée des textes du plasticien et poète suisse Dieter Roth. Mort à Bâle en 1998, Dieter Roth fut un artiste voyageur qui passa de ville en ville. Il concevait peintures et dessins, fabriquait des images en utilisant des champignons et des sculptures en aliments biodégradables et écrivait des œuvres d’art linguistiques d’un genre singulier, poèmes décrivant laconiquement le lent et permanent changement du monde. À la fin des années 1980, Dieter Roth a donné une de ses œuvres littéraires, intitulée Das Weinen. Das Wähnen (Tränenmeer 4) (Pleurer. Imaginer [Mer de larmes 4]), au jeune musicien suisse qu’était Christoph Marthaler. Aujourd’hui ce don devient un spectacle réunissant enfin ces deux artistes suisses majeurs qui partagent notamment une prédilection prononcée pour l’altération du corps, de l’esprit et du chocolat face à la lenteur du temps et l’exaltation cosmopolite à se promener dans les centres et

les périphéries des villes favorites. Les poèmes de Roth, la musique chorale et le sens inné de la comédie propres à Marthaler s’en vont ensemble observer la transformation continue de toute chose – celle qui fait goûter à la douceur des larmes et apprécier la joie, libre et renouvelée. Christoph Marthaler’s musical theatre draws its humour and lightness from the observation of the unlikely accidents of existence. This melancholic, choral and musical comedy, which takes place in a strange pharmacy, is inspired by the texts of the Swiss visual artist and poet Dieter Roth.

Teaser

CHRISTOPH MARTHALER/ DIETER ROTH Zurich

D’abord musicien, Christoph Marthaler aborde l’univers du théâtre par le biais de performances d’inspiration dadaïstes dans la lignée de Kurt Schwitters ou d’Erik Satie. À Bâle à la fin des années 1980, il donne à ses premiers spectacles un cadre plus traditionnel et devient en quelques années une des figures essentielles du théâtre et de l’opéra en Europe. Son théâtre musical oscille entre soirées musicales, collages et interprétations libres et inventives des classiques. Il est porté par une réflexion sur la mémoire historique, une mélancolie volontiers critique et un toujours inattendu sens de l’humour et du décalage. Avec la scénographe Anna Viebrock, qui collabore avec lui depuis ses débuts, ils mettent en scène des êtres à la marge, s’obstinant à tenir une normalité qui leur échappe, réinventant par la bande (et par le chant) des façons de vivre ensemble. À Vidy, Christoph Marthaler a présenté King Size et Das Weisse vom Ei (Une île flottante) en 2014 puis Tiefer Schweb en 2018.

Artiste suisse né à Hanovre, Dieter Roth (1930-1998) a exploré la sculpture et la peinture, le livre d’artiste et la poésie concrète, les techniques de l’estampe et le film. Dans son œuvre profuse, aux allures d’archive infinie, tout – y compris et surtout les objets les plus misérables – peut devenir matériau pour l’art. Connu pour son utilisation de denrées alimentaires biodégradables, il crée des sculptures et des installations à grande échelle à partir de fromage, de chocolat et de sucre et qui renvoient une forte odeur une fois exposées. Sa pratique traite de l’impermanence du monde, de l’accident, de la mutation et de la résistance, filant volontiers la métaphore de l’insularité. En 1992, il est une figure majeure dans le monde de l’art international, représente la Suisse lors de la Biennale de Venise puis, la même année, fait l’objet d’une grande rétrospective au MoMA de New York. Il laisse également une abondante œuvre écrite.

Création septembre 2020

Mise en scène Christoph Marthaler Scénographie Duri Bischoff Costumes Sara Kittelmann Son Thomas Schneider Musique Bendix Dethleffsen Lumière Christoph Kunz Dramaturgie Malte Ubenauf Avec Liliana Benini Magne Håvard Brekke Olivia Grigolli Elisa Plüss Nikola Weisse Susanne-Marie Wrage Production Schauspielhaus Zurich Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Emilia Romagna Teatro Fondazione Nanterre-Amandiers, Centre dramatique national Bergen International Festival International Summer Festival Kampnagel, Hamburg

Avec le soutien de Georg und Bertha Schwyzer-Winiker Stiftung Pro Helvetia Opéra de lausanne Implanté au cœur de Lausanne depuis 1871, l’Opéra de Lausanne programme chaque saison des spectacles lyriques, des concerts uniques et des ballets, parcourant un répertoire compris entre les XVIIe et XXIe siècles, de Monteverdi à Levinas. Cette diversité, ainsi que le niveau artistique et vocal de chanteurs à la carrière internationale, lui assurent un dynamisme et une reconnaissance, appuyé en cela par les retransmissions et le rayonnement de ses productions. www.opera-lausanne.ch

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HORS LES MURS

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER (ROSAS)

Mitten wir im Leben sind/ Bach6Cellosuiten

Du 20 au 22 novembre Hors les murs/Opéra de Lausanne Danse/Musique Durée 2h Tarif Opéra Code SMS MITT

Un dialogue organique ciselé entre danse, musique, corps et géométrie sonore

La chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker donne à nouveau vie à la musique de Bach : le célèbre violoncelliste Jean-Guihen Queyras interprète, sur la scène nue du théâtre, les six Suites pour violoncelle seul. Les danseurs et les danseuses l’accompagnent dans les fugues et rondes savantes, et le corps devient musique. Les six Suites pour violoncelle seul composées par Bach sont un des chefs-d’œuvre de l’histoire de la musique. D’une complexité et d’une ingéniosité remarquables, exploitant toutes les possibilités polyphoniques de l’instrument, elles témoignent d’une grande maîtrise de l’abstraction autant que d’une expressivité rare. Cette « abstraction incarnée » tend ainsi à révéler les logiques secrètes de l’existence humaine – l’humain devient divin – et à humaniser l’abstraction – le divin devient humain. Anne Teresa De Keersmaeker s’est déjà confrontée à la perfection de la musique de Bach. Ces Suites sont l’occasion d’aller plus avant encore dans l’épure, dans la recherche du geste libéré de toute ornementation – ce qui est par ailleurs sa définition de l’abstraction.

Elle confie chacune des Suites à un interprète, qui s’élance autour de Jean-Guihen Queyras en suivant précisément les étapes de composition de chaque suite – l’allemande, la courante, la sarabande, la gigue – et incarne les règles logiques de la musique tout en les dépassant, comme Bach s’impose des principes de composition et les renouvelle à chaque nouveau mouvement. Une magistrale incarnation chorégraphique de la musique, un dialogue organique ciselé entre danse, musique, corps et géométrie sonore. Choreographer Anne Teresa De Keersmaeker brings Bach’s music to life again: the famous cellist Jean-Guihen Queyras performs the six Suites for solo cello on the bare stage of the theatre. The dancers accompany him in fugues and skilful rounds, and the body becomes music.

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ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ JEAN-GUIHEN QUEYRAS Bruxelles

Anne Teresa De Keersmaeker étudie la danse à Mudra, l’école de Maurice Béjart à Bruxelles, et à la Tisch School of the Arts de la New York University. Elle fait ses débuts de chorégraphe avec Fase, en 1982, avant de fonder la compagnie Rosas l’année suivante, parallèlement à la création de Rosas danst Rosas. Des pièces virtuoses, à la grammaire épurée, qui font de la musique une matière proprement physique et qui contiennent en germe tous les grands succès qui viendront, faisant d’elle une des artistes européennes les plus renommées. En 1995, Rosas et l’opéra La Monnaie s’associent pour mettre en place une structure de formation internationale à Bruxelles, P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios). À Vidy, elle a présenté Fase, Verklärte Nacht d’après Schönberg, Vortex Temporum d’après Gérard Grisey et l’exposition Work on paper en 2015 et Re : Rosas, un après-midi de danse participative dans la cour du théâtre en 2016.

Jean-Guihen Queyras a longtemps été violoncelliste soliste de l’Ensemble intercontemporain alors dirigé par Pierre Boulez qui l’a choisi pour recevoir le Glenn Gould Protégé Prize en 2002 à Toronto. Sa formation n’a pas empêché la diversité de son répertoire de violoncelliste, qui va de Bach, Haydn, Dvořák aux grandes œuvres du XXe siècle de Bartók, Britten, Kurtág, Boulez ou Dutilleux. Il a été l’invité des grands orchestres internationaux, mais il joue également de nombreuses œuvres pour musique de chambre au sein de quatuors renommés. Musicien explorateur qui se rit des frontières stylistiques, célébré comme l’un des violoncellistes majeurs de notre temps, il a été maintes fois distingué. Il a joué plusieurs fois avec l’Orchestre de Suisse Romande, notamment Debussy en 2014 et Haydn à l’automne 2019.

Création 2017

Chorégraphie Anne Teresa De Keersmaeker Violoncelle Jean-Guihen Queyras Créé avec et dansé par Boštjan Antončič Anne Teresa De Keersmaeker Marie Goudot Julien Monty Michaël Pomero Musique Johann Sebastian Bach, Suites pour violoncelle seul, BWV 1007 – 1012 Costumes An D’Huys Lumière Luc Schaltin Dramaturgie Jan Vandenhouwe Son Alban Moraud Assistants artistiques Carlos Garbin Femke Gyselinck Directeur des répétitions Femke Gyselinck Coordination artistique et planning Anne Van Aerschot Conseiller artistique Thierry De Mey Directeur technique Joris De Bolle Chef costumière Heide Vanderieck

Habillage Emma Zune Ella De Vos Production Rosas Coproduction De Munt / La Monnaie Ruhrtriennale, Concertgebouw Brugge Philharmonie de Paris Théâtre de la Ville, Paris Festival d’Automne à Paris Sadler’s Wells Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Opéra de Lille Ludwigsburger Schlossfestspiele Elbphilharmonie Montpellier Danse 2018

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Création Vidy

FRANÇOIS GREMAUD Auréliens

d’après Aurélien Barrau

Du 1er au 3 décembre Vidy/Pavillon Théâtre Durée estimée 1h Tarif M Code SMS AURE

Le souffle nécessaire pour engager l’avenir autrement

François Gremaud met en scène l’acteur Aurélien Patouillard interprétant le texte de la conférence qu’a prononcé l’astrophysicien et philosophe Aurélien Barrau sur l’urgence d’agir pour l’avenir de notre planète. En passant de l’université au théâtre, la démonstration de l’auteur du « plus grand défi de l’humanité » se donne à entendre tout autrement, sensiblement. Dans cette conférence donnée à l’Unil en 2019, Aurélien Barrau dressait un constat sans appel de l’état des ressources naturelles. Le verdict était sévère : il reformulait et actualisait le constat de la violence de l’action humaine sur le vivant. Il venait rappeler aussi qu’il n’est pas trop tard pour changer de perspective et qu’il pourrait en être autrement. François Gremaud, pour sa part, fait du théâtre le lieu de la joie vivante, libre et souveraine, que contient toute forme de connaissance, d’émotion et de partage. Il conjugue ici son engagement citoyen et son plaisir de mettre en scène des interprètes remarquables. S’adressant à nos cœurs autant qu’à nos raisons, en faisant jouer dans un théâtre le texte de cette conférence par un autre Aurélien, il permet de saisir

différemment un discours que les scientifiques du monde entier répètent depuis plus de trente ans sans que nous soyons capables de les entendre. Créé à l’occasion du laboratoire artistique concluant le premier cycle des Imaginaires des futurs possibles en juin 2020 à Vidy, Auréliens redouble la force des idées par le plaisir de la scène et redonne le souffle nécessaire pour engager l’avenir autrement. François Gremaud stages the actor Aurélien Patouillard interpreting the text of a lecture given by astrophysicist and philosopher Aurélien Barrau on the urgent need to act for the future of our planet. By stepping from the university to the theatre, this demonstration by the author of «humanity’s greatest challenge» can be heard in a different, delicate way.

AURÉLIEN BARRAU/ AURÉLIEN PATOUILLARD/ FRANÇOIS GREMAUD Lausanne

Aurélien Barrau est un astrophysicien français spécialisé en relativité générale, en physique des astroparticules, particules du milieu interstellaire, et en physique des trous noirs. Il travaille au Laboratoire de physique subatomique et de cosmologie de Grenoble et enseigne à l’Université Grenoble-Alpes. Il s’intéresse actuellement à la gravitation quantique. Il est également docteur en philosophie. Très engagé pour la protection de l’environnement et le développement durable, Aurélien Barrau est notamment connu pour avoir lancé en 2019 un appel signé par plus de 200 personnalités, invitant à une action publique «ferme et immédiate» pour lutter contre le réchauffement climatique. Aurélien Patouillard commence par des études de physique appliquée à Paris. En 2000, il part à la rencontre des pingouins de Patagonie pour un travail de performance en compagnie de la plasticienne Dalila Bouzar. À son retour, il intègre une compagnie de danse avant d’entrer à La

Manufacture en 2004. Depuis, il alterne les rôles de théâtre ou de cinéma, les mises en scène et les projets collectifs au sein du collectif lausannois Zooscope. À Vidy, il a joué dans Le Direktor (2018) et Le Royaume (2019) sous la direction d’Oscar Gomez Mata. François Gremaud fonde en 2005 la 2b company à Lausanne. Acteur et metteur en scène, ses propositions scéniques jouent d’une littéralité habile et d’un art consommé de l’absurde à partir de situations concrètes et en apparence conventionnelles. Mais à chaque fois il s’agit pour lui de mettre en scène le plaisir du théâtre lui-même, cet « art vivant qui ne cesse de célébrer la joie profonde d’être au monde ». Au répertoire de la 2b company, la Conférence de choses, coécrite et interprétée par Pierre Misfud et dont la version intégrale dure huit heures, ou Phèdre !, spectacle avec Romain Daroles conçu d’abord pour les classes à l’invitation de Vidy, sont en tournée dans le monde entier. L’évolutif X minutes du collectif Schick/Gremaud/Pavillon a été

présenté lors des Programme Commun de 2015 et 2017. Vidy a consacré une semaine au répertoire de la 2b company, dont les créations du collectif Gremaud/Gurtner/Bovay, en juin 2018. Il participe au cycle des Imaginaires des futurs possibles à Vidy en 2019/2020. Conception et mise en scène François Gremaud Texte Conférence d’Aurélien Barrau adaptation de François Gremaud Avec Aurélien Patouillard Production Théâtre Vidy-Lausanne 2b company Spectacle créé dans le cadre du Théâtre des futurs possibles, un projet conçu et produit par le Théâtre Vidy-Lausanne, l’Université de Lausanne et la Fondation Zoein.

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Création Vidy

Tout Public dès 10 ans

ALAIN BOREK

Boucle d’or 2020

Du 2 au 5 décembre Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre Durée estimée 1h Tarif M Code SMS BOUC VIDY+ Audiodescription : sam. 5.12 Représentation signée : sam. 5.12 Rencontre (en présence d’une interprète LSF) : sam. 5.12

Faut-il accueillir Boucle d’or ?

Mais qui est donc Boucle d’or ? Et ces ours ? Le conte bien connu laisse ouvertes toutes les interprétations. Alain Borek invite à le rejouer ensemble, à travers un spectacle interactif qui évolue en fonction de vos choix. Le conte est en effet surprenant : une jeune fille aux cheveux blonds, perdue dans la forêt, entre à l’improviste dans une maison isolée, mange ce qu’elle trouve, casse une chaise au passage et s’installe finalement dans un lit – ses propriétaires, ours de leur état, rentrent chez eux, la trouvent endormie, et la jeune fille finit par partir, chassée et/ou apeurée. Quelle que soit la version du conte, la morale de l’histoire est pour le moins incertaine… Qu’est-ce que cette étrange hospitalité ? La jeune fille a-t-elle peur devant ceux qui sont si différents d’elle ? Ou errerait-elle, sans chez-elle, et les ours n’accepteraient-ils pas la jeune migrante ? Alain Borek, Marion Chabloz et Baptiste Gilliéron, aguerri·e·s aux techniques de l’improvisation théâtrale, en font un récit à choix. Dans un dispositif inspiré du jeu vidéo, ils vous invitent à déterminer qui sont les protagonistes de cette histoire étonnante et décider des réactions de chacun d’eux,

les interprètes adaptant les scènes en fonction de vos choix. Chaque étape du conte devient l’occasion d’une délibération sur l’hospitalité et ce qu’elle implique, à travers le paramétrage collectif et ludique des scènes qui seront jouées. Que vous soyez Boucle d’or ou Petit Ours, trouverez-vous une fin moins équivoque ? Who is Goldilocks, really? And what about those bears? The famous fairy tale remains open to many interpretations. Alain Borek invites us to re-enact the story together, in an interactive show that evolves according to the audience’s choices.

ALAIN BOREK Lausanne

Alain Borek est né à Lausanne en 1983. Diplômé de La Manufacture en 2009, il collabore depuis en tant qu’acteur notamment aux projets de Massimo Furlan, Christian Geffroy-Schlittler, Phil Hayes, Christophe Jaquet ou Magali Tosato. Au cinéma il joue par exemple sous la direction d’Ursula Meier, Antoine Tinguely, ou Arnaud & Jean-Marie Larrieu. Parallèlement, il crée ses premiers spectacles comme metteur en scène et développe sa pratique de l’improvisation théâtrale. Ces nombreuses expériences ont en commun la recherche d’une relation élaborée et dynamique avec les spectateurs·rices : comme narrateur ou conteur, dans la manière de conduire un récit, comme improvisateur, en intégrant réactions ou propositions des spectateurs·rices au fil du jeu, ou en interagissant avec le public au cours du spectacle, comme dans Hamlet dans les écoles, création Vidy pour les salles de classe de Magali Tosato. À Vidy, il a également joué dans La Possible Impossible Maison de Forced Entertainment en 2015 et il a proposé une lecture des Chiens d’Antoine Jaccoud en 2017.

Mise en scène Alain Borek Dramaturgie et collaboration artistique Delphine Abrecht Aide à la conception David Javet Musique et création sonore Christophe Gonet Vidéo et création graphique Oliver Vulliamy Lumière David Perez Costumes Scilla Ilardo Administration Diane Dormet Résidence de création Théâtre Vidy-Lausanne Avec Alain Borek Marion Chabloz Baptiste Gilléron

Boucle d’or 2020 résulte du développement d’un projet de recherche soutenu par La Manufacture-HES-SO, intitulé Spectator Ludens.

Production Théâtre Vidy-Lausanne Le Cabinet Créatif Coproduction L’Échandole Théâtre du Loup Avec le soutien de Ville de Lausanne Canton de Vaud Loterie Romande Fondation Ernst Goehner Migros Pourcent Culturel Nestlé Fondation pour l’art

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NTANDO CELE

Go Go Othello

Du 3 au 10 décembre Lieu communiqué ultérieurement Théâtre/Musique En anglais, surtitré en français Relâche lun. 7.12 Durée estimée 1h20 Tarif M Code SMS GOGO

Artiste, femme et noire

Othello, rare rôle pour acteur noir du répertoire théâtral, a le plus souvent été joué par des interprètes blancs. Mais alors quelle peut être ma place sur une scène – sauf peut-être dans un nightclub ? –, interroge l’actrice noire Ntando Cele dans une performance qui rapproche des biographies de femmes noires et les stéréotypes de genre et de race. Dans le décor ambigu d’un cabaret, Ntando Cele explore les représentations du corps féminin noir véhiculées par l’exotisme, le désir et l’exploitation. Accompagnée par le compositeur et pianiste Simon Ho, l’artiste née en Afrique du Sud et installée à Berne raconte des histoires de vie des artistes féminines noires d’hier et d’aujourd’hui, dans un spectacle à l’intersection de la performance, de l’autobiographie, du théâtre et du concert. La figure d’Othello se révèle alors symptomatique de la fantaisie européenne sur le différent et l’exotique. Les biographies de Sarah Baartman, plus connue sous le nom de Vénus Hottentote, ou de Joséphine Baker, femmes noires surexposées pour leur différence, et à l’inverse de Sissieretta Jones ou Jessye Norman, premières sopranos

noires à avoir chanté sur des scènes célèbres, viennent se confronter à ses propres expériences d’artiste femme et noire. Sur la scène d’un étrange cabaret, Ntando Cele se fait strip-teaseuse et ce qu’elle met à nu n’est pas son corps, mais la façon dont on le regarde. Othello, a rare role for a black actor in the theatrical repertoire, was most often played by white performers. But then what can my place be on a stage - except perhaps in a nightclub? - asks black actress Ntando Cele in a performance that brings together biographies of black women and gender and race stereotypes.

NTANDO CELE Berne/Durban

Ntando Cele est née à Durban en Afrique du Sud et vit à Berne. Elle a étudié le théâtre à Durban avant de poursuivre une formation pluri-artistique à DasArts à Amsterdam. En collaboration avec Raphael Urweider, elle fonde Manaka Empowerment Prod. en 2013. Ses spectacles jouent des frontières entre le théâtre, l’installation vidéo, le concert et la performance. Avec un humour et des déclarations volontiers politiquement incorrectes, elle aborde le racisme caché dans la vie quotidienne. Elle combine musique, texte, vidéo pour disséquer joyeusement les préjugés et les stéréotypes et confronter les spectateurs·rices à ses propres perceptions. En février 2020, Cele invitait ses collègues artistes à discuter des questions de liberté raciale et des limites auxquelles les artistes de couleur doivent faire face lors d’une discussion satirique intitulée Ennemi du progrès dans le cadre du festival That’s not so simple au théâtre Schlachthaus de Berne. À Vidy, elle a présenté Black Off lors de Programme Commun 2019.

Création septembre 2020 Concept et direction Ntando Cele Raphael Urweider Musique Simon Ho Michael Sauter Chorégraphie Chera Mack-Hofmann Lumière, technique Maria Liechti Son, technique Valerio Rodelli Costumes Rudolf Jost Scénographie Beni Küng Assistante à la scénographie Jacqueline Weiss Assistanat à la mise en scène Sandro Griesser Gestion de la production Boss & Röhrenbach Avec Ntando Cele Simon Ho (musique) Production Manaka Empowerment Prod. Coproduction Expedition Suisse (Théâtre Vidy-Lausanne Théâtre Saint Gervais Genève Kaserne Basel Schlachthaus Theater Bern)

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TABEA MARTIN

Nothing Left

Le 4 décembre Vidy/Pavillon Danse Durée estimée 1h Tarif M Code SMS NOTH

Les variations inattendues de notre présence éphémère

La chorégraphe Tabea Martin explore des situations sociales concrètes du point de vue du corps, par la danse. Dans sa nouvelle création, elle s’intéresse à la manière dont nous réagissons à la mort de l’autre, proche ou lointain – à nos chagrins, rituels, fêtes ou dénis face à la douleur. Tabea Martin conclut avec Nothing Left (Rien ne reste) une trilogie consacrée au passage de la vie à la mort : la danse, éphémère par essence, devient le médium idéal pour explorer le fugace et l’intangible. Après s’être intéressée à la finitude de notre propre corps (This is my last dance, Programme Commun 2018) puis aux rêves enfantins de l’éternel (Forever, Vidy 2019), elle observe aujourd’hui les effets de la mort de l’autre sur nous – quand le corps de l’autre n’est plus que mémoire, que le dialogue devient monologue puis silence, rituel ou fête. Si la mort marque une fin, elle est aussi le début d’un processus d’élaboration du deuil, dont les différentes phases entraînent des réactions multiples, physiques et psychologiques. Entre la compassion, le sentiment d’impuissance et le déni, vivre la mort de l’autre est une expérience déroutante – commune à tous, quand bien même nous la

refoulons et qu’il reste difficile d’en parler. C’est cette mise à distance de la mort que Tabea Martin entend dépasser et interroger par la danse. Loin d’elle pourtant l’idée de dramatiser : maniant aussi bien l’humour et l’ironie face à nos insuffisances qu’attentive aux vulnérabilités, la chorégraphe entraîne huit danseurs et danseuses dans les variations inattendues de notre présence éphémère. The choreographer Tabea Martin explores concrete social situations from the point of view of the body, through the medium of dance. In her new piece, she delves into the ways in which we cope with the death of others, close or removed – our sorrows, rituals, celebrations or denials in the face of grief.

TABEA MARTIN Bâle

Née en 1978, Tabea Martin est une chorégraphe et une danseuse d’origine bâloise. Après des études de danse à la Haute école des arts à Amsterdam puis de chorégraphie à l’Académie de danse de Rotterdam, ses dernières créations lui ont valu une reconnaissance internationale. Elle accorde une place importante à la narration et ses chorégraphies expriment un sens aiguisé de la théâtralité. Ludique, humoristique, parfois un brin déjantée, sa danse est ancrée dans des préoccupations sociales. Avec Pink for Girls & Blue for Boys, elle questionne en 2016 la construction du genre. Beyond Indifference explore la vérité et la manipulation des esprits par les médias et la politique. Avec This is my last dance, présenté en 2018 à Sévelin 36 pour Programme Commun, Tabea Martin et Simona Bertozzi se demandaient, avec Beckett, comment vivre et garder espoir, tout en regardant la fin qui nous attend. Présenté à Vidy au printemps 2019, Forever participe de sa volonté de partager la danse contemporaine avec les enfants.

Création novembre 2020 Chorégraphie Tabea Martin Composition, musicien Samuel Rohrer Assistant·e·s chorégraphie Kiyan Khoshoie Dominique Cardito Costumes Mirjam Egli Scénographie Veronika Mutalova Assistante scénographie et costumes Danaë Neuhaus Lumières Simon Lichtenberger Dramaturgie Irina Müller Moos van den Broek Œil extérieur Sebastian Nübling Production Franziska Ruoss Vidéo Heta Multanen Photographie Katharina Lütscher Avec Maria de Dueñas Lopez Daniela Escarleth Romo Pozo Tamara Gvozdenovic Lohan Jacquet Panos Malaktos/ Georges Hann Emeric Rabot Daniel Staaf Miguel do Vale

Production Compagnie Tabea Martin Coproduction Steps, Festival de danse du Pour-cent culturel Migros Expédition Suisse (Théâtre Vidy-Lausanne, Gessnerallee Zürich, Dampfzentrale Bern, Theater Chur, Kaserne Basel, LAC et FIT–Lugano) Soutiens Pro Helvetia Cantons de Bâle-Campagne et de Bâle-Ville Fachausschuss Tanz & Theater BS/BL Nestlé Fondation pour l’art Stanley Thomas Johnson Stiftung Stiftung Wolf

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Tout Public dès 7 ans

BARO D’EVEL Là

Du 9 au 19 décembre Vidy/Pavillon Cirque/Théâtre/Danse Relâche lun. 14 et mar 15.12 Durée 1h15 Tarif M Code SMS BARO

Rester ensemble, oiseau, femme et homme

Un cirque en noir et blanc pour couple et corbeaupie : ce trio combine acrobatie, musique et chant dans un écrin de craie où tout fait trace. Avec Baro d’evel, rester ensemble, oiseau, femme et homme, ne semble possible que dans un périlleux et joyeux déséquilibre. Parce que, dans la vie, rien ne se passe jamais comme prévu : il arrive que tout le monde veuille parler à la fois, qu’on ne s’entende plus. Cohabiter dans un même espace quand on est différent n’a parfois rien d’évident… Et pourtant ça continue et ça recommence, et pourtant quelque chose se passe dans le déséquilibre, une sorte d’invention tous ensemble : chaque geste inscrit un nouveau terrain de jeu, chaque chute est l’occasion d’un nouveau pas de danse. Entre burlesque et absurde, acrobatie et chant, le cirque humaniste de Baro d’evel raconte le vertige d’être en vie ensemble, cette vie qui s’improvise et se réinvente quoi qu’il arrive. Dans un décor blanc où chaque geste devient trace, Camille Decourtye, Blaï Mateu Trias et Gus le corbeau pie facétieux font de l’incertain l’occasion rêvée d’une joie partagée.

A black and white circus for a couple and a pied crow: this trio combines acrobatics, music and singing in a chalked-up setting where everything leaves a trace. For Baro dâ&#x20AC;&#x2122;evel, staying together as bird, woman and man, seems possible only in a perilous and joyful imbalance.

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BARO D’EVEL Toulouse

Baro d’evel est une des compagnies de cirque européennes les plus prometteuses aujourd’hui. Emmené par Camille Decourtye et Blaï Mateu Trias, le collectif fait du spectacle le lieu d’une utopie partagée où la différence nourrit et l’absurde rend solidaire. Les animaux en font pleinement partie, réveillant l’instinct, le sens de l’improvisation et la fulgurance de l’émotion, invitant les artistes comme les spectateurs·rices à un « ici et maintenant » aussi émerveillé que concret. La Française Camille Decourtye est cavalière et musicienne. Elle se forme en tant que voltigeuse et développe un travail sur la voix. Depuis 2004 elle intègre les animaux dans les projets de la compagnie et développe avec eux une pratique éthologique basée sur la liberté et la communication par le corps, en cherchant le jeu et la mise en avant de la singularité de chaque animal. Catalan, Blaï Mateu Trias se forme aux arts du cirque avant de devenir coauteur et interprète de l’ensemble des spectacles de Baro d’evel. À Vidy, ils ont présenté Bestias sous chapiteau en 2018.

Création 2018 Première partie du diptyque Là, sur la falaise Auteur·e·s et artistes interprètes Camille Decourtye Blaï Mateu Trias et le corbeau pie Gus Collaboration à la mise en scène Maria Muñoz Mal Pelo Pep Ramis Collaboration à la dramaturgie Barbara Métais-Chastanier Scénographie Lluc Castells assisté de Mercè Lucchetti Collaboration musicale et création sonore Fanny Thollot Lumière Adèle Grépinet Costumes Céline Sathal Musique enregistrée Joel Bardolet Jaume Guri Masha Titova Ileana Waldenmayer Melda Umur Construction Jaume Grau Pere Camp Diffusion Judith Martin Direction des productions Laurent Ballay

Administration Caroline Mazeaud Communication Ariane Zaytzeff

Production Baro d’evel Coproduction GREC 2018 festival de Barcelona et Teatre Lliure Théâtre Garonne Festival Montpellier Danse 2018 Malraux scène nationale Chambéry Savoie ThéâtredelaCité Pronomade(s) en HauteGaronne CNAR MC93 Le Grand T L’Archipel CIRCa, Pôle National Cirque Auch Gers Occitanie Le Parvis Les Halles de Schaerbeek Le Prato, pôle national cirque de Lille L’Estive BAD à Bilbao Cirque Jules Verne PNC Amiens, scène nationale d’Albi dans le cadre du soutien du FONDOC Bonlieu l’Avant-scène à Cognac

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Création Vidy

STEFAN KAEGI (RIMINI PROTOKOLL)

Temple du présent – Solo pour octopus En collaboration avec

SHANJULAB

Du 8 au 22 janvier Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre Relâche dim. 10, lun. 11 et lun. 18.01 Durée estimée 1h Tarif M Code SMS OCTO

Animal surdoué, curieux et joueur

Stefan Kaegi imagine un aquarium théâtral pour mettre en scène une pieuvre, animal surdoué, curieux et joueur. La relation avec lui construit le spectacle jusqu’à inverser les rôles : qui observe qui ? Une réflexion théâtrale dont l’humain n’est pas le centre mais qui joue de notre tendance à nous reconnaître et nous projeter dans le miroir tendu par les animaux. Les pieuvres, 8 bras, 9 cerveaux, 3 cœurs et des milliers de ventouses, sont capables d’actions multiples ou de changer radicalement de couleur. Attirées par ce qu’elles ne connaissent pas, elles apprennent de leurs expériences et certain·e·s spécialistes décèlent même des formes d’humour et d’empathie singulières et individuelles. Issues d’un embranchement dans l’évolution parallèle à celui qui aboutira à l’espèce humaine, leurs capacités hors norme leur auraient permis de bâtir des civilisations avancées si elles étaient à même de transmettre leurs acquis entre générations – or les femelles meurent peu après avoir donné naissance et chaque individu recommence son apprentissage pour lui-même.

Que pouvons-nous – humains, spectateurs·rices – apprendre de ce talent multitâche, de ce maître du camouflage solitaire ? Le spectacle est conçu en relation avec une pieuvre à l’issue d’un processus d’apprentissage et d’échange, en fonction de ses besoins, ses savoirs et ses réactions. Avec la complicité de ShanjuLab, collectif artistique basé à Gimel qui vit et collabore avec des animaux en poursuivant un questionnement éthique permanent, Stefan Kaegi organise un dispositif théâtral, musical, cinématographique et documentaire dans lequel celui qui observe n’est peut-être pas celui que l’on croit. Et cette fois l’expert·e, c’est l’animal. Stefan Kaegi imagines a theatrical aquarium to stage an octopus, that gifted, curious and playful animal. The relationship with the octopus shapes the show to the point of reversing the roles: who is observing whom? A theatrical reflection in which the human being is not the centre, but which plays on our tendency to recognise ourselves and to project ourselves onto the mirror held up to us by animals.

STEFAN KAEGI/ SHANJULAB Berlin/Lausanne

Avec le collectif Rimini Protokoll, le Suisse Stefan Kaegi a contribué à élargir la notion de théâtre documentaire en tentant de dépeindre la réalité sous toutes ses facettes, notamment en faisant appel à des « experts·es du quotidien ». Les membres du collectif font ainsi sortir le théâtre de ses murs, allant à la rencontre de l’espace urbain comme des nouveaux espaces et réseaux de la mondialisation. Invité régulièrement à Vidy, Stefan Kaegi présente Mnemopark (2007), Situation Rooms (2014) et Granma. Les trombones de La Havane (2019), et crée Airport Kids avec Lola Arias (2008), Nachlass – Pièces sans personnes (2016) avec Dominic Huber, Cargo Congo-Lausanne (2018), la version française de La Vallée de l’étrange avec Thomas Melle (2019).

La relation homme-animal est au centre du travail de la Compagnie ShanJu, fondée et dirigée par Judith Zagury. En 2017, elle investit Vidy avec ses animaux lors du week-end Être bête(s) mené par l’écrivain Antoine Jaccoud. En 2018, Judith Zagury y cocrée avec Laetitia Dosch et Yuval Rozman le spectacle HATE, un duo avec un cheval. Formée à l’éthologie équine à l’Université de Rennes ainsi qu’au Haras National suisse, elle dirige aujourd’hui un laboratoire de recherche théâtrale sur le rapport que l’homme entretient avec l’animal, le ShanjuLab, qu’a rejoint Nathalie Küttel. Comédienne (Conservatoire de Genève puis Teintureries), elle est fille de taxidermiste et son enfance fut marquée par l’observation du corps animal, pour savoir comment il fonctionnait de son vivant. En 2015, elle débute une collaboration avec le professeur Fiorito à la Station zoologique de Naples (recherche en neurobiologie, apprentissage, comportement) et travaille avec des pieuvres.

Conception, mise en scène Stefan Kaegi en collaboration avec Judith Zagury Nathalie Küttel (ShanjuLab) Accompagnement scientifique Prof. Graziano Fiorito Dramaturgie Katja Hagedorn Musique Stéphane Vecchione en collaboration avec Brice Catherin Vidéo Olivier Vuillamy Technique et construction du décor Théâtre Vidy-Lausanne Avec une pieuvre Davide-Christelle Sanvee Stéphane Vecchione Production Théâtre Vidy-Lausanne ShanjuLab Gimel République Éphémère Théâtre Saint-Gervais Coproduction (en cours) Festival Antigel Berliner Festspiele Diffusion et tournée Théâtre Vidy-Lausanne

Vous êtes ici, feuilleton théâtral genevois Temple du présent Solo pour octopus est un des épisodes du feuilleton théâtral Vous êtes ici conçu et produit par République Éphémère. Ce feuilleton est une grande aventure qui traverse 14 scènes genevoises. Cette série au théâtre suit une dizaine de protagonistes, voisins et voisines d’un immeuble qui s’effondre lorsque des failles apparaissent à la surface de notre planète usée. Quand tout craque, quand tous les repères sont transformés, comment faire communauté ? Mais aussi… Zacharie osera-t-il déclarer son amour à Mad ? Cassandra réussira-t-elle à faire taire les voix dans sa tête ? Pensé et écrit durant ces deux dernières années par une vingtaine d’artistes, Vous êtes ici résonne avec ce que nous vivons aujourd’hui. Suivez cette folle histoire en 9 épisodes et 1 intégrale, le temps d’une saison. vousetesici.ch

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Création Vidy

FRANÇOIS GREMAUD Giselle…

Du 8 au 17 janvier Vidy/Pavillon Théâtre Relâche dim. 10 et lun. 11.01 Durée estimée 1h20 Tarif M Code SMS GISE VIDY+ Rencontre : mar. 12.01 Audiodescription : dim. 17.01

La danse qui sauve de la mort et l’amour de la danse

Giselle meurt d’amour et son aimé est ensorcelé par une danse vengeresse – l’esprit de Giselle, en dansant avec lui, parvient à le sauver. Suite au succès de Phèdre ! François Gremaud offre à la danseuse Samantha van Wissen de partager à son tour son amour de la danse et cet autre chef-d’œuvre du répertoire, le ballet romantique Giselle. Danseuse émérite d’Anne Teresa De Keersmaeker, Samantha van Wissen entre en scène accompagnée de quatre instrumentistes pour présenter Giselle, l’un des premiers et des plus célèbres ballets romantiques. Une histoire d’amour tragique, inspirée à Théophile Gautier par une danseuse qu’il aimait passionnément et mise en musique par Adolphe Adam en 1841: une jeune paysanne meurt en apprenant qu’Albrecht, qu’elle aime, est fiancé à une princesse. La reine des Willis, les esprits des jeunes filles mortes vierges, décide qu’Albrecht doit suivre Giselle dans la tombe. Les Willis le font danser jusqu’à la mort par épuisement. Mais l’esprit de Giselle parviendra à le sauver…

La danse de l’amour, la danse qui sauve de la mort et l’amour de la danse : en racontant Giselle, Samantha van Wissen partage l’art auquel elle a consacré sa vie. Par le mouvement et les mots et avec la complicité d’un quatuor original emmené par le compositeur Luca Antignani, elle fait revivre au présent le ballet ancien et magistral. Alors elle renoue les liens entre le passé, le présent et l’imaginaire. Elle transmet une joie sereine, par-delà de ce que les mots peuvent dire, qui triomphe des pires coups du sort : celle qui nourrit sa danse et qu’elle partage avec l’héroïne romantique. Giselle is dying of love and her beloved is bewitched by a vengeful dance - Giselle’s spirit, dancing with him, manages to save him. Following the success of Phèdre!, François Gremaud offers dancer Samantha van Wissen the chance to share her love of dance and this other masterpiece of the repertoire, the romantic ballet Giselle.

FRANÇOIS GREMAUD/ SAMANTHA VAN WISSEN/ LUCA ANTIGNANI Lausanne

François Gremaud fonde en 2005 la 2b company à Lausanne. Acteur et metteur en scène, ses propositions scéniques jouent d’une littéralité habile et d’un art consommé de l’absurde à partir de situations concrètes et en apparence conventionnelles. Mais à chaque fois il s’agit pour lui de mettre en scène le plaisir du théâtre lui-même, cet « art vivant qui ne cesse de célébrer la joie profonde d’être au monde ». Au répertoire de la 2b company, la Conférence de choses, coécrite et interprétée par Pierre Misfud et dont la version intégrale dure huit heures, ou Phèdre !, spectacle avec Romain Daroles conçu d’abord pour les classes à l’invitation de Vidy, sont en tournée dans le monde entier. L’évolutif X minutes du collectif Schick/Gremaud/Pavillon a été présenté lors des Programme Commun de 2015 et 2017. Vidy a consacré une semaine au répertoire de la 2b company, dont les créations du collectif Gremaud/Gurtner/Bovay, en juin 2018. Il participe au cycle des Imaginaires des futurs possibles à Vidy en 2019/2020.

Samantha van Wissen entre dans la compagnie Rosas d’Anne Teresa De Keersmaeker après une formation à la Dans Academie de Rotterdam. Elle y participe à de nombreux spectacles, depuis 1992. Depuis 1997, elle fait également partie de la compagnie ZOO/Thomas Hauert et dirige des ateliers pour P.A.R.T.S., l’école fondée par De Keersmaeker à Bruxelles. Luca Antignani étudie le piano, la composition, la direction d’orchestre et la musique électronique. Élève d’Alessandro Solbiati et d’Azio Corghi, il est diplômé en composition de la Scuola Civica de Milan, de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Rome et de l’Ircam à Paris. Outre son activité de compositeur, il est musicologue et enseigne l’analyse, l’orchestration et la composition (Conservatoire Reggio Emilia, Conservatoire supérieur de Lyon, HEM de Lausanne).

Texte François Gremaud, d’après Théophile Gautier et Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges Concept et mise en scène François Gremaud Musique Luca Antignani, d’après Adolphe Adam Chorégraphie Samantha van Wissen, d’après Jean Coralli et Jules Perrot Direction technique Stéphane Gattoni Zinzoline Administration, production, diffusion Michaël Monney Avec Samantha van Wissen Quatres instrumentistes (en cours)

Soutenu par le programme PEPS de coopération territoriale européenne INTERREG V France-Suisse

Production 2b company Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne Théâtre Saint-Gervais Bonlieu Scène Nationale Annecy Malraux Scène Nationale Chambéry Savoie La 2b company est au bénéfice d’une convention de soutien conjoint de la Ville de Lausanne et du Canton de Vaud.

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DAVID GESELSON Doreen d’après

Lettre à D. – Histoire d’un amour d’André Gorz

Du 20 janvier au 5 février Vidy/Pavillon Théâtre Relâche dim. 24, lun. 25.01, lun. 01.02 Durée 1h15 Tarif M Code SMS DORE

Dans les interstices de la vie et des écrits d’André Gorz et Doreen Keir

Un couple reçoit dans son salon ses confidents d’un soir. Adapté de la vie et des écrits d’André Gorz, pionnier de l’écologie politique qui vécut à Lausanne, et notamment de sa Lettre à D. – Histoire d’un amour, Doreen partage, entre dévoilement et pudeur, l’intimité de deux inséparables qui s’aiment depuis soixante ans. L’amour de Gérard et Doreen a survécu et accompagné les sursauts de l’époque, les engagements intellectuels franco-suisses de Gérard et la maladie incurable de Doreen. Sous le pseudonyme d’André Gorz, Gérard a engagé dès les années 40 une critique cinglante de la société capitaliste, rejoint Sartre aux Temps Modernes, participé à la fondation du Nouvel Observateur et projeté les premières bases de ce qui deviendra l’écologie politique. Moins d’un an avant leur suicide commun en 2007, il publie Lettre à D., confession à sa femme Doreen Keir et vibrante déclaration d’amour d’un homme, au soir de sa vie, à la femme qu’il n’a cessé d’aimer. David Geselson et Laure Mathis retraversent leur histoire, entre un passé réel et un présent fictionné.

Dans les interstices de la vie et des écrits d’André Gorz et Doreen Keir, ils avancent sur le seuil entre réalité et fiction, passé et présent, intime et politique. Dans ce spectacle léger et grave, tendre et engagé, au plus près des comédien·ne·s et des mots de Gérard et Doreen, il est alors question d’amour et d’abandon, d’utopie et de désillusions politiques, et de ce qu’il reste, après soi. A couple entertains their confidants in their living room one evening. Adapted from the life and writings of André Gorz, a pioneer of political ecology who lived in Lausanne, and in particular his Lettre à D. - Histoire d’un amour, Doreen is the intimate story, both revealing and modest, of two inseparable people who have been in love for 60 years.

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Lettres non-Écrites Vous avez un jour voulu écrire une lettre à un être cher et vous n’avez pas osé, pas su, pas pu ? David Geselson vous propose de l’écrire pour vous. C’est le principe des Lettres non-écrites : au cours de la journée, David Geselson s’entretient avec des habitant·e·s de la région. Il écoute leurs récits de vie et le soir, une sélection de lettres est interprétée sur scène par des comédien·e·s. Appel à participant·e David Geselson se propose de vous rencontrer les 21, 22 et 23 janvier et le 5 février au matin. Contactez-nous : v.augsburger@vidy.ch

Les 23 janvier, 5 et 6 février Vidy/Pavillon Théâtre/Performance Durée 1h Tarif XS Code SMS LETT

DAVID GESELSON/ ANDRÉ GORZ Paris

David Geselson, comédien formé au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris, est auteur et metteur en scène. Il fonde la compagnie Lieux-Dits en 2009, dont le titre vaut programme de son théâtre à venir : faire du théâtre un lieu pour s’arrêter et regarder, pour donner place à la parole, celle qui lie l’intime et le collectif, l’émotion et l’expérience individuelles et les destinées collectives. En 2013, il écrit et crée En Route-Kaddish, spectacle entre enquête et confession sur les pas de son grand-père parti en Israël dans les années 30 avec le projet illusoire d’y construire le socialisme – enquêter sur l’autre pour se connaître soi. Il joue dans Bovary de Tiago Rodrigues au Théâtre de la Bastille en 2016 et participe à son projet « Occupation Bastille », d’où nait le projet des lettres non-écrites. En Route-Kaddish a été présenté à Vidy en 2016.

Autrichien d’origine, André Gorz, de son vrai nom Gérard Horst, est étudiant chimiste à l’EPFL dans les années 40. Il rencontre à Lausanne Doreen Keir qui deviendra sa femme, et y croise Jean-Paul Sartre, qui préfacera son premier livre, Le Traitre, qui mêle autobiographie et analyse sociale. Installé avec Doreen à Paris, ses nouvelles activités de journaliste se doublent d’une recherche empruntant à la philosophie, à la théorie politique comme à la critique sociale. Après sa rencontre avec Ivan Illich dans les années 70, il devient l’un des premiers penseurs de l’écologie politique.

Doreen Création 2016 Autour de Lettre à D. d’André Gorz, publié aux éditions Galilée Texte et mise en scène David Geselson Interprétation Laure Mathis David Geselson Scénographie Lisa Navarro Lumière Jérémie Papin Vidéo Jérémie Scheidler Thomas Guiral Son Loïc Le Roux Collaboration à la mise en scène Elios Noël, Laure Mathis, Loïc Le Roux, Lisa Navarro, Jérémie Papin, Jérémie Scheidler Regard extérieur Jean-Pierre Baro Costumes Magali Murbach Construction Flavien Renaudon Administration, production Noura Sairour Diffusion, relations presse Carole Willemot

Production Compagnie Lieux-Dits Coproduction Théâtre de Lorient Théâtre de la Bastille Théâtre Garonne Théâtre de Vanves Avec l’aide de DRAC Ile-de-France Porosus Spedidam Arcadi Ile-de-France Avec le soutien de Théâtre Ouvert La Chartreuse de Villeneuve Lez Avignon - l’IMEC Institut Mémoires de l’édition contemporaine et du Nouveau théâtre de Montreuil

Lettres non-écrites Création continue Conception et écriture David Geselson Avec Laure Mathis David Geselson Séverine Chavrier (le 6.02) Production Compagnie Lieux-Dits

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VIDY+Lecture et débat Samedi 30.01 dès 16h Lecture

Lecture de textes choisis dans l’œuvre d’André Gorz par Laure Mathis et David Geselson. Extraits de Le Traître (Seuil 1957), Métamorphose du travail (Galilée 1988), Ecologica (Galilée 2008), Le Fil rouge de l’écologie (EHESS, 2015), Penser l’avenir (La découverte, 2019), Eloge du suffisant (PUF 2019).

Débat

André Gorz, penser l’avenir : de la pensée écologique à l’histoire d’un amour André Gorz fut l’un des premiers représentants d’une écologie démocratique et anticapitaliste, qui prolongeait ses réflexions sur le travail et les organisations sociales et qui occupa une place centrale dans ses écrits des années 70 à sa mort en 2007. Il conceptualisa une écologie orientée vers l’émancipation, l’autonomie et le bien-être davantage que préoccupé par le climat, la nature ou sa propre scientificité. Comment son œuvre résonne-telle aujourd’hui ? Débat avec David Geselson, Dominique Bourg, professeur honoraire à l’Unil, penseur de l’écologie et exécuteur testamentaire d’André Gorz, et Enzo Lesourt, docteur en philosophie politique, auteur d’une biographie intellectuelle d’André Gorz : Portrait du philosophe en contrebandier, l’écologie politique comme reconquête du sujet.

MARION SIÉFERT

DU SALE ! (Pièce d’actualité n˚12)

Du 27 janvier au 5 février Vidy/Salle René Gonzalez Théâtre/Danse/Musique Relâche dim. 31.01, lun. 01.02 Durée 1h30 Tarif M Code SMS PIEC VIDY+ Rencontre : jeu. 28.01

Rafler la mise

Marion Siéfert est partie à la rencontre de deux jeunes femmes qui s’imposent dans un milieu d’hommes, le hip-hop, grâce à leur art de la métaphore et de la métamorphose. Au point de jonction entre cultures urbaines et théâtre, la rappeuse Laetitia Kerfa et la danseuse Janice Bieleu donnent vie à leurs peurs et à leurs désirs, à leurs rêves et à leurs cauchemars. L’une est rappeuse : la tête et le verbe hauts, elle étourdit avec aplomb ce qui voudrait enserrer sa vie de femme, de jeune « des quartiers », d’artiste. L’autre est danseuse, virtuose du popping, une danse urbaine dont elle fait le réceptacle sensible des énergies positives ou négatives qu’elle perçoit. Deux femmes qui assument les facettes multiples de leur personnalité et esquivent, avec une virtuosité aussi maîtrisée que sensible et effrontée, tout ce qui voudrait les tenir à distance ou les contenir avec des catégories et des mots qui ne leur appartiennent pas. Marion Siéfert fait de la scène du théâtre un espace libre pensé pour elles et avec elles. Alors elles parviennent à partager ce qui, dans leurs vies, ne peut être exprimé que par l’art.

« Du Sale! » est un gimmick de la scène hiphop actuelle. Cette expression renvoie à l’argent sale, à l’imaginaire du deal, aux stratégies parfois illégales et pas très propres déployées pour rafler la mise. C’est « prendre le dessus par le fond », comme dirait Booba. Marion Siéfert cherche un théâtre des vies, des voix et des visages des jeunes gens d’aujourd’hui. Cette fois, elle fait se rencontrer deux arts, le théâtre et le rap, qui se côtoient rarement et qui résonnent ensemble à travers la détermination sans faille de deux jeunes femmes puissantes. Marion Siéfert set out to meet two young women who are making their mark in a world of men – hip hop – thanks to their art of metaphor and metamorphosis. At the crossroads between urban culture and theatre, rapper Laetitia Kerfa and dancer Janice Bieleu bring their fears and desires, their dreams and nightmares to life.

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MARION SIÉFERT Paris

Marion Siéfert est auteure, metteuse en scène et performeuse. Son travail est à la croisée de différents champs artistiques et théoriques et se réalise via divers médiums : spectacles, films, écriture. En 2015-2016, elle est invitée dans le cadre de son doctorat à l’Institut d’études théâtrales appliquées de Gießen (Allemagne). Elle y développe son premier spectacle, 2 ou 3 choses que je sais de vous. Elle collabore sur Nocturnes et L’Époque, deux films du cinéaste Matthieu Bareyre, tout en étant associée au travail de compagnies en tant qu’interprète, dramaturge, assistante à la mise en scène (L’Accord Sensible, Joris Lacoste ou Rimini Protokoll). Elle performe pour Monika Gintersdorfer et Franck Edmond Yao dans Les Nouveaux Aristocrates. En 2018, elle crée Le Grand Sommeil, avec la chorégraphe et performeuse Helena de Laurens. Sa nouvelle pièce, _ jeanne_dark_, pensée pour le théâtre et pour Instagram, est prévue pour l’édition 2020 du Festival d’Automne à Paris.

Création 2019

Conception, montage et mise en scène Marion Siéfert Créé en collaboration avec, et interprété par Janice Bieleu Laetitia Kerfa aka Original Laeti Rap Original Laeti Collaboration artistique Matthieu Bareyre Lumière David Pasquier Son Patrick Jammes Costumes Valentine Solé Accompagnement physique et scénique Caroline Lionnet Stagiaire à la mise en scène Agnès Claverie Production La Commune CDN d’Aubervilliers

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GUILLAUME BAILLIART (GROUPE FANTÔMAS) Tartuffe d’après Tartuffe d’après Tartuffe d’après Molière

Du 10 au 19 février Vidy/Pavillon Théâtre Relâche dim. 14 et lun. 15.02 Durée 1h10 Tarif S Code SMS TART

Mécanique implacable de comédie tragique

Oublions la morale : Tartuffe est avant tout un joueur absolu en quête d’une liberté totale. Il ensorcelle Orgon et le possède. Les autres membres de la famille vont tout tenter pour déclencher l’exorcisme… Guillaume Bailliart interprète le texte de Molière intégralement et seul en scène, faisant entendre la précision rythmique des vers et révélant l’époustouflante mécanique de la comédie. Une table au centre de la scène, les noms des personnages écrits au sol : au milieu de ce procédé scénographique rudimentaire, Guillaume Bailliart prend son souffle, ferme les yeux et se lance. Sa diction précise nous entraîne dans le vertige de la langue de Molière et détaille ses rythmes, accélérations, gouffres, inventions et trouvailles. L’acteur incarne tour à tour chacun des personnages et désigne du doigt ses interlocuteurs imaginaires. La pièce de Molière surgit, exposant sa mécanique implacable de comédie tragique. Les images fusent, les tirades s’emportent : libéré du folklore historique, le texte semble s’inventer au fur et à mesure ; les personnages surgissent comme en rêve, Tartuffe ne cesse d’éblouir un peu plus Orgon,

et les uns et les autres tentent de le ramener à la raison. Plus qu’à une interprétation ou une adaptation aux résonances politiques et actuelles du chef-d’œuvre, c’est au surgissement poétique lui-même que Guillaume Bailliart s’intéresse. Il se place « à côté de Molière », tentant de recomposer les fulgurances littéraires de son cerveau d’auteur-acteur. Il expose le texte littéralement, au plus près de la langue, s’appropriant avec rigueur la grande contrainte formelle des vers pour rendre compte de la force vitale de l’écriture, dans une performance théâtrale aussi virtuose que virevoltante. Let’s forget the moral: Tartuffe is above all an absolute player in search of total freedom. He bewitches Orgon and possesses him. The other members of the family will try everything to trigger the exorcism... Guillaume Bailliart interprets Molière’s text in its entirety and alone on stage, conveying the rhythmic precision of the verses and revealing the stunning mechanics of the comedy.

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GUILLAUME BAILLIART Lyon

Guillaume Bailliart étudie au Conservatoire d’Avignon puis suit le cursus du compagnonnage-théâtre à Lyon jusqu’en 2002. Interprète pour Michel Raskine, Gwénaël Morin ou Fanny de Chaillé, il passe à la mise en scène et à l’écriture au sein de collectifs avant de fonder sa compagnie, le Groupe Fantômas, en 2013. Comme metteur en scène, acteur ou pédagogue, il s’intéresse particulièrement au jeu, à ses différents ressorts et à la capacité de rendre concret des mondes imaginaires. Tartuffe d’après Tartuffe d’après Tartuffe d’après Molière est le premier spectacle du Groupe Fantômas, créé en 2013 à la suite de l’expérience du Théâtre Permanent de Gwénaël Morin auquel Guillaume Bailliart prenait part et dont le présent spectacle s’est inspiré avant de s’en détacher. Il reviendra dans la seconde partie de saison de Vidy avec Désordre du discours, la conférence de Michel Foucault L’Ordre du discours mis en scène par Fanny de Chaillé dans un amphithéâtre universitaire.

Création 2013 Texte Molière Conception et jeu Guillaume Bailliart Accompagné par Vivianne Balsiger Lumière Jean Martin Fallas Production Groupe Fantômas Avec le soutien du Théâtre de la Cité Internationale Théâtre de l’Elysée-Lyon Théâtre Théo Argence et Ramdam-Ste Foy lès Lyon

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HORS LES MURS

MILO RAU Familie (Famille)

Les 13 et 14 février Hors les murs/Opéra de Lausanne Théâtre En néerlandais surtitré en français Durée 1h30 Tarif Opéra Code SMS FAMI

« On a trop déconné, pardon »

En 2007, les quatre membres d’une famille du nord de la France étaient retrouvés pendus chez eux, sans explication. Milo Rau met en scène un couple d’acteurs et leurs deux filles pour rejouer une fin de journée familiale, banale et sans histoire, avant le geste fatal. Le drame n’a aucune explication. Les voisins et amis les décrivaient comme discrets et volontiers serviables. Lorsqu’ils furent retrouvés pendus dans la véranda, ils avaient rangé la maison, visiblement dîné de fruits de mer et préparé des consignes pour le chien. Et laissé un mot, bref et laconique : « On a trop déconné, pardon. » À l’invitation de Milo Rau, An Miller et Filip Peeters, deux acteurs belges renommés, ont enquêté auprès des voisin·e·s de cette famille française, puis interrogé leur propre histoire. Ils sont en scène avec leurs deux filles adolescentes et leurs deux chiens, et donnent la représentation d’une vie de famille ordinaire qui pourrait être la leur. Les histoires des deux familles se confondent et la fiction finit par troubler la réalité, jusqu’à l’issue fatale et muette.

Réaliste, cette soirée familiale ordinaire s’approche d’une enquête ethnographique sur la vie quotidienne contemporaine, où la famille est un noyau social structurant. Milo Rau poursuit sa distanciation théâtrale de la banalité de la violence dans une Europe engourdie. Face au silence tragique, face à cette allégorie théâtrale d’une société occidentale à bout de souffle et sans destin, résonne une question : qu’attendons-nous ? In 2007, the four members of a family from the north of France were found hanging in their home, without explanation. Milo Rau directs a couple of actors and their two daughters to reenact a banal and uneventful end to a family day, before the fatal gesture.

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MILO RAU Gent

Les créations du Bernois Milo Rau, essayiste, réalisateur de cinéma et metteur en scène, sont nourries d’enquêtes sociohistoriques. Elles interrogent l’identité de l’Europe postmoderne en s’intéressant à ses mythes médiatiques rassurants et à ses responsabilités inavouées. Questionnant autant les faits historiques que leurs représentations, elles se situent à la frontière incertaine entre documentaire et fiction. Milo Rau est à la tête de l’International Institute of Political Murder (IIPM) qu’il a fondé en 2007, et dirige aujourd’hui le NTGent. À Vidy, il a présenté en 15/16 The Dark Ages et Compassion – l’histoire de la mitraillette et Empire en 16/17 puis, invité par Vidy et pour Programme Commun, Les 120 Journées de Sodome créé avec le Theater Hora et le Schauspielhaus de Zurich. Vidy accueillait en 2018 La Reprise : Histoire(s) du théâtre (1) et Orestes in Mossul en 2019.

Création 2020 Texte Milo Rau et les interprètes Mise en scène Milo Rau Dramaturgie et recherche Carmen Hornbostel Coach Peter Seynaeve Scénographie Anton Lukas Costumes Louisa Peeters Anton Lukas Vidéo et camera live Moritz von Dungern Lumière Dennis Diels Musique Saskia Venegas Aernouts Assistant dramaturgie Eline Banken Assistannat à la mise en scène Liesbeth Standaert Avec An Miller Leonce Peeters Louisa Peeters Filip Peeters Production NTGent Coproduction Künstlerhaus Mousonturm Romaeuropa Festival Scène Nationale d’Albi Schauspiel Stuttgart Théâtre de Liège

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HORS LES MURS

WILLIAM FORSYTHE A Quiet Evening of Dance

Les 17 et 18 février Hors les murs/Opéra de Lausanne Danse Durée 1h15 Tarif Opéra Code SMS AQUI

Inventivité baroque

Le célèbre chorégraphe William Forsythe explore le contrepoint avec ses exceptionnels interprètes qui se glissent dans cette danse mêlant précision analytique et liberté baroque, sur des musiques de Morton Feldman et de Jean-Baptiste Rameau. Légère, généreuse et colorée autant que virtuose, cette « calme soirée de danse » rayonne d’inventivité et de sérénité. Le baroque parvint à une telle maîtrise du contrepoint que des compositions d’une remarquable ingéniosité semblaient fluides en apparence – les fugues de Bach en sont un parfait exemple. À la même époque, l’invisible devenait visible et révélait ses inattendues complexités secrètes – avec l’anatomie qui exposait le fonctionnement du corps ou les débuts de l’astronomie pour le cosmos. C’est alors que les maîtres des ballets baroques posaient les bases de la danse classique, réfléchissant les innombrables intrications possibles entre les mouvements des différentes parties du corps et la musique. Hypothèse du baroque : les apparences sont simples mais cachent une complexité d’une infinie richesse.

Le chorégraphe américain William Forsythe rapproche les principes de la danse classique avec une sensibilité contemporaine, soustrayant l’ornement pour exposer les structures contrapuntiques. Et il invite Rauf « RubberLegz » Yasit, célèbre danseur de breakdance, à rejoindre ses fidèles interprètes – son agilité et son intelligence venant dynamiser encore le lien entre classique et contemporain. Ainsi, William Forsythe fait redécouvrir l’héritage de cet art, avec des yeux neufs. Semblant alors s’adresser à un futur moins opulent, le maître américain laisse penser que réinterpréter le passé et enlever le superflu est aussi un moyen de réapprendre à faire et à voir. The renowned choreographer William Forsythe explores counterpoint with his exceptional performers who slip into this dance combining analytical precision and baroque freedom, set to music by Morton Feldman and Jean-Baptiste Rameau. Light, generous and as colourful as it is virtuosic, this «quiet evening of dance» radiates inventiveness and serenity. Teaser

WILLIAM FORSYTHE New York

Le chorégraphe américain William Forsythe commence la danse en Floride aux côtés de Nolan Dingman et Christa Long. En 1984, il débute un mandat de vingt ans à la tête du Ballet de Francfort où il crée de nombreuses œuvres dont Artifact (1984), Impressing the Czar (1988) ou Decreation (2003). En 2004, il fonde un nouvel ensemble basé à Dresde et à Francfort, la Forsythe Company, avec lequel il entreprend de nombreuses tournées internationales. En 2015, il est nommé chorégraphe associé de l’Opéra national de Paris et, en 2016, chorégraphe associé du Boston Ballet. Puisant dans le vocabulaire classique, il parle un langage contemporain : en se libérant des codes traditionnels du ballet et en modifiant sa mise en espace, il a bouleversé le concept de « ballet ». William Forsythe a ainsi élargi le champ de la danse, en la confrontant aux arts plastiques, aux textes et aux multimédias.

Création 2018 Chorégraphie William Forsythe Son Niels Lanz Lumière Tanja Rühl William Forsythe Costumes Dorothee Merg William Forsythe Avec Cyril Baldy Roderick George Brigel Gjoka Brit Rodemund Parvaneh Scharafali Riley Watts Rauf ‘RubberLegz’ Yasit Production Sadler’s Wells Theatre Coproduction Montpellier Danse Les Théâtres de la Ville de Luxembourg The Shed Onassis Cultural Center deSingel campus international des arts Théâtre du Châtelet Théâtre de la Ville-Paris Festival d’Automne à Paris

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À VENIR… EN DEUXIÈME PARTIE DE SAISON

PHILIPPE QUESNE, Farm fatale

Devant quelques bottes de foin, des épouvantails sont au chômage après la disparition des oiseaux. Devenus expérimentateurs radio, poètes philosophes et rockeurs en herbe, ils transforment le lieu en une ZAD burlesque et agricole et tentent de sauver ce qui peut l’être. Une comédie joyeusement mélancolique et écologique de Philippe Quesne.

NICOLAS STEMANN, Contre-enquêtes

Le journaliste et romancier algérien Kamel Daoud donne la parole au frère de l’Arabe anonyme tué par Meursault, le personnage principal de L’Étranger de Camus. Nicolas Stemann met en scène la rencontre imaginaire entre l’assassin et ce frère.

FANNY DE CHAILLÉ, Désordre du discours

L’Ordre du discours la leçon inaugurale au Collège de France du philosophe Michel Foucault porte sur le pouvoir du discours. Cinquante ans plus tard la metteuse en scène Fanny de Chaillé demande à l’acteur Guillaume Bailliart de réincarner ce discours et faire entendre sa force et son énergie dans un amphithéâtre d’université.

TOMAS GONZALEZ/IGOR CARDELLINI, L’Âge d’or

Dans L’Âge d’or, les spectateurs·rices sont invité·e·s à une série de visites archéologique in situ dans des lieux de pouvoir (banque, centre commercial, bureaux administratifs). Au travers de ces espaces fonctionnels, au cœur de la globalisation et de la croissance, se dessine le mirage d’une abondance accessible à tous·tes et infinie.

À VENIR… EN DEUXIÈME PARTIE DE SAISON

GAÏA SAITTA/GIORGIO BARBIERO CORSETTI, Je crois que

dehors c’est le printemps d’après le texte de Concita de Gregorio

Gaïa Saitta interprète sur scène une femme dont le mari a fait disparaître ses deux filles avant de se suicider. Elle retrouve dans le public les personnages principaux de son histoire qui se rejoue sur scène, pour y révéler d’inattendues ouvertures vers la vie et l’amour.

ALEXANDRE DOUBLET, Retour à la Cerisaie

Une femme revient dans la maison familiale, retrouve son frère et ses filles. Demain, la maison et le jardin seront rasés. Dans un dialogue libre avec Tchekhov, Alexandre Doublet orchestre un théâtre mental et sonore autour de l’enfance et de l’héritage, de la violence sociale et de l’attente d’un désastre.

BORIS CHARMATZ, Infini

Six formidables danseurs·euses, dont le chorégraphe Boris Charmatz, explorent l’infini en dansant et comptant en même temps. Les chiffres évoquent le rythme des pas comme les dates de l’histoire et renvoient à notre monde d’algorithmes comme à l’indénombrable. Infini nous entraîne dans un temps et une danse en permanente métamorphose.

ÉMILIE CHARRIOT, Vocation

Quarante ans séparent les deux protagonistes de ce spectacle qui abordent la question de la vocation par le biais de la danse et du théâtre. La vocation comme réponse que l’on donne à un appel, une prise de risque symbolisée ici par le plateau.

À VENIR… EN DEUXIÈME PARTIE DE SAISON

THOM LUZ, Chansons sans paroles

La nuit, une voiture renversée, un chevreuil percuté. La radio laisse entendre musiques et voix grésillantes philosophent sur les changements de notre temps. Les deux passagers, plus morts que vifs, bientôt curieusement rejoints par un trio cordes et harpe, s’inventent une existence avec les restes désordonnés d’un monde accidenté…

BORIS GIBÉ, L’Absolu

Cirque poétique aux accents existentialistes, L’Absolu est le spectacle d’un homme seul qui cherche à reprendre son envol après la chute. Dans un étonnant chapiteau vertical installé sur la pelouse de Vidy, Boris Gibé mêle images métaphoriques et acrobaties pour partager sa quête initiatique de la plénitude.

MOHAMED EL KHATIB/VALÉRIE MRÉJEN, Gardien Party

Une situation familière et inhabituelle : dans un musée, des gardiennes et des gardiens sont assis – mais cette fois, ils parlent. Au MCBA, Mohamed El Khatib et Valérie Mréjen mettent en scène les musées, vus par celles et ceux qui les gardent. Venu·e·s de différents pays et contextes culturels, dix agent·e·s d’accueil évoquent l’art, les visiteurs·euses, le temps.

GISÈLE VIENNE, L’Étang

Gisèle Vienne adapte Der Teich (L’Étang) de Robert Walser avec Adèle Haenel et quinze poupées de taille humaine. Les intrications de différents rythmes, du présent, de l’imaginaire et de l’hallucination perturbent la perception logique, le regard et l’écoute…

À VENIR… EN DEUXIÈME PARTIE DE SAISON

TOMAS GONZALEZ/IGOR CARDELLINI/RÉBECCA BALESTRA, Showroom

Les facétieux·ses Rébecca Balestra, Igor Cardellini et Tomas Gonzalez auscultent des situations ordinaires pour faire apparaître les forces qui structurent la société et les identités. Avec Showroom, ils et elle proposent un diorama sur l’idée de progrès, une archive vivante de l’inutile et de l’obsolète qui confronte la théorie au burlesque.

CYRIL TESTE, La Mouette

Après son impressionnante mise en scène de Festen à Vidy, Cyril Teste poursuit sa recherche sur la performance filmique et sur la famille, en adaptant librement La Mouette, célèbre pièce de Tchekhov qui met en jeu notamment les relations entre une mère et son fils, l’actrice au sommet de son art et le jeune auteur en devenir.

CHRISTOPH MARTHALER/GRAHAM F. VALENTINE, Aucune idée

Depuis leur rencontre, dès 1970, pendant leurs jeunes années zurichoises, le metteur en scène et musicien Christoph Marthaler et l’acteur et chanteur écossais Graham F. Valentine ont développé une belle amitié et complicité pour inventer un théâtre musical décalé, drôle et grave à la fois. Accompagnés d’un musicien, ils se retrouvent pour explorer le phénomène mondial du déficit de connaissance et créer à Vidy Aucune idée.

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VIDY VIDY

VIDY

AUTOUR DES SPECTACLES

Des introductions aux spectacles, des rencontres avec les artistes, des débats autour de la programmation avec des intellectuel·le·s et des scientifiques ainsi qu’une sélection d’ouvrages à la librairie du théâtre sont autant d’occasions de prolonger les spectacles à travers leurs résonances dans l’actualité.

sur vidy.ch

VIDY

ÉCOLES + ENSEIGNANT·E·S

Le Théâtre Vidy-Lausanne accompagne les classes dans leur découverte des spectacles, avec des introductions, des rencontres, des représentations scolaires et des tarifs privilégiés. Il amène aussi directement le théâtre à l’école avec Arborescence programmée de Muriel Imbach.

VIDY

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FAMILLES, KIDS ET ADOS Le Théâtre Vidy-Lausanne propose des spectacles à voir en famille, des stages pour les enfants et les adolescent·e·s et des tarifs préférentiels.

SPECTACLES À VOIR EN FAMILLE

sur vidy.ch

VIDY

VIDY VIDY

VIDY

DIGITAL

Retrouvez sur la page dédiée de notre site Internet, la scène numérique, baptisée Vidygital. Sur cette page, découvrez des captations accompagnées de différents documents, parfois créés pour l’occasion, autour de créations, de nos productions et des artistes fidèles à Vidy. sur vidy.ch

Prolongez l’expérience de Vidy en ligne

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VIDY

VIDY VIDY

VIDY

ACCESSIBILITÉ

Vidy renforce chaque année sa politique d’accessibilité afin d’offrir à tous et toutes les conditions optimales pour découvrir sa programmation. Dans un esprit d’inclusion, le théâtre promeut et encourage la participation de toutes les personnes, avec ou sans handicap, à son offre culturelle et à la vie du théâtre.

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VIDY

MULTILINGUAL

Theatre, dance, performances, exhibitions accessible to non-French-speaking audiences, some of the proposals are surtitled in English. sur vidy.ch

PRODUCTION PRODUCTION VIDY PRODUCTIONS, COPRODUCTIONS ET TOURNÉES Le Théâtre Vidy-Lausanne accompagne les créations d’artistes suisses et d’ailleurs et les tournées. sur vidy.ch

Les Parcours Communs sont des week-ends dont la programmation est coordonnée avec l’Arsenic et le Théâtre Sévelin 36.

! SAVE THE DATE !  25/26/27 septembre Alex Baczynski-Jenkins + Jérôme Bel/Valérie Dréville + Pauline Boudry/Renate Lorenz + Kayije Kagame + La Cordonnerie + Massimo Furlan/Claire De Ribaupierre + Yasmine Hugonnet 15/16/17 janvier François Gremaud + Marion Duval/Camille Mermet/ Aurélien Patouillard + Old Masters + Stefan Kaegi (Rimini Protokoll) + Yan Duyvendak... 5/6/7 mars Nicolas Stemann + Philippe Quesne + Les Printemps De Sévelin + Tamara Alegre + Tomas Gonzalez/Igor Cardellini sur vidy.ch

LE THÉÂTRE LE THÉÂTRE VIDY EN CHANTIER Construit par l’artiste Max Bill en 1964, le Théâtre de Vidy va connaître des travaux importants de rénovation et d’extension de septembre 2020 à septembre 2022, comprenant la rénovation et modernisation de la grande salle (avec une nouvelle capacité de 440 places) et du foyer, l’ajout d’une extension pour des espaces techniques, un accès aux personnes à mobilité réduite pour tout le bâtiment et une salle de répétition indispensable pour les créations. Maître d’ouvrage : Ville de Lausanne Architectes : Pont 12 Architectes SA

Financements : Ville de Lausanne - Théâtre Vidy-Lausanne - Ernst Göhner Stiftung - Fondation Leenaards - De généreux·ses donateurs·rices privé·e·s - Les nouveaux·elles détenteurs·rices des sièges de la salle Charles Apothéloz dont la vente a contribué au financement des travaux

sur vidy.ch

ÉQUIPE ET CONSEIL DE FONDATION DE VIDY Le Conseil de fondation du Théâtre de Vidy, composé de 16 membres, est présidé par Vera Michalski Hoffmann. Pour produire, accueil-

lir, diffuser, communiquer, organiser, construire, diriger, réfléchir, l’équipe du Théâtre de Vidy est composée d’une centaine de personnes.

PARTENAIRES PARTENAIRES

PROJETS PARTENAIRES

sur vidy.ch

Le Théâtre Vidy-Lausanne ouvre ses portes à des projets de collaborations avec des partenaires privilégiés comme l’Unil, Le Temps, Payot et d’autres partenaires culturels.

VIDY EN RÉSEAU Le Théâtre Vidy-Lausanne poursuit sa démarche active d’un travail en réseau, tant sur le plan local avec les Parcours Communs, que sur le plan national avec le réseau Expédition Suisse, et sur le plan européen avec deux projets transfrontaliers : LaB E23 et PEPS.

PARTENAIRES PARTENAIRES SOUTIENS ET PARTENAIRES PARTENAIRES PUBLICS

PARTENAIRES INSTITUTIONNELS ET PRIVÉS

PARTENAIRE MÉDIA

PROGRAMMES INTERREG

BILLETTERIE BILLETTERIE LE CERCLE DES MÉCÈNES Le Cercle des mécènes réunit des passionné·e·s qui se retrouvent dans l’esprit de découverte proposé par le Théâtre Vidy-Lausanne et s’engagent à le soutenir. Faire partie du Cercle, c’est être au cœur de la vie artistique du théâtre, c’est avoir

un regard privilégié sur la création des spectacles tout en les accompagnant.

L’ASSOCIATION DES AMI·E·S DU THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE Les Ami·e·s du Théâtre Vidy-Lausanne sont une association de spectateurs·rices qui interrogent, débattent et partagent le théâtre d’aujourd’hui au travers d’échanges avec les

équipes, de rencontres avec les artistes invité·e·s et de partages d’expériences.

LE CLUB DES ENTREPRISES Le club des entreprises du Théâtre Vidy-Lausanne rassemble des acteurs de l’économie autour des valeurs d’innovation, d’ouverture et de dynamisme. Il vous permet d’associer

votre image à la remarquable vitalité du théâtre et de bénéficier de multiples avantages – visibilité accrue, services dédiés, tarifs préférentiels, opérations de relations publiques.

BILLETTERIE BILLETTERIE ABONNEMENT GÉNÉRAL VIDY Simple, flexible et économique : l’Abonnement Général Vidy vous ouvre un accès illimité à l’ensemble des spectacles programmés par le Théâtre VidyLausanne, pour une mensualité inférieure au prix d’un billet M de votre catégorie. Pour rappel prix d’un billet tarif M : Tarif jeune Fr. 16.– Tarif réduit Fr. 29.– Plein tarif Fr. 45.–

Bénéficiez d’une libre circulation dans la programmation de Vidy pour venir voir ou revoir les spectacles (dans la limite des places disponibles) : réservez simplement vos places au guichet, par téléphone ou en ligne (service dédié : vidy.ch/perso) sans aucun supplément à régler. Pour vos réservations et toute question : Service dédié du mardi au samedi de 13h à 19h Tél. : 021 619 45 48, ag@vidy.ch

Souscription pour toute la saison. Possibilité de prendre l’Abonnement en cours de saison d’octobre à janvier : les mensualités échues sont déduites.

ABONNEMENT GÉNÉRAL SAISON Tarif jeune (1) Tarif réduit (1) Plein tarif Plein tarif Duo (2) 1 2

Fr. 14.– par mois Fr. 140.– pour toute la saison Fr. 26.– par mois Fr. 260.– pour toute la saison Fr. 33.– par mois Fr. 330.– pour toute la saison Fr. 63.– par mois Fr. 630.– pour toute la saison

Conditions tarifs jeune et réduit voir ici L’Abonnement Général Duo vous permet d’assister à chaque spectacle avec une personne de votre choix.

BILLETTERIE BILLETTERIE Les abonné·e·s disposent gratuitement des quatre spectacles programmés à l’Opéra par le Théâtre Vidy-Lausanne dans leur abonnement général jusqu’aux places de

Comment obtenir votre Abonnement Général Vidy ? – Offre disponible au guichet, par téléphone ou en ligne. Carte personnelle avec photo, non échangeable, non remboursable, intransmissible. – Paiement des dix mensualités (septembre à juin) à l’inscription ou prélèvement mensuel par carte bancaire (paiement des deux premières mensualités à la souscription). – En cours de saison, déduction des mensualités déjà échues.

sur vidy.ch

2e catégorie (voir tarif Opéra). Pour les places en 1ère catégorie et en catégorie prestige, ils doivent ajouter un supplément de Fr. 20.– et 30.– par place.

Les autres avantages En souscrivant à l’Abonnement Général Vidy vous profiterez aussi de petits plus. – Quatre fois par saison, faites bénéficier du tarif Découverte à une personne de votre choix. – Rejoignez l’Association des Ami·e·s du Théâtre Vidy-Lausanne moyennant une cotisation réduite (Fr. 10.–/saison) – Découvrez des spectacles chez nos théâtres partenaires de Genève à un tarif préférentiel et des navettes gratuites. – Profitez d’avantages chez nos partenaires : des entrées à Fr. 12.– au lieu de 15.– sur les projections du Cityclub Pully par exemple, ou 5 cartes postales offertes par le MCBA, des entrées offertes lors des soirées à Fr. 5.– du Romandie… Et bien d’autres avantages.

BILLETTERIE BILLETTERIE OUVERTURE DES RÉSERVATIONS Pour pouvoir rester le plus réactif possible face aux évolutions du contexte sanitaire et réglementaire, les réservations des spectacles ouvrent selon le calendrier suivant : 24 août : ouverture des réservations pour les spectacles programmés jusqu’au 7 novembre 23 septembre : ouverture des réservations pour les spectacles programmés du 9 novembre au 19 décembre

10 novembre : ouverture des réservations pour les spectacles programmés du 8 janvier au 19 février 11 janvier : ouverture des réservations pour les spectacles de la deuxième partie de saison

TARIFS Hors abonnement général, il existe trois catégories de tarifs (XS, S, M) pour lesquelles une déclinaison en tarif découverte vous est proposée. Les spectacles présentés à l’Opéra font l’objet d’une grille tarifaire spécifique.

Jeune public (1)

Fr. 6.–

Fr. 10.–

Tarif jeune (2)

Fr. 6.–

Fr. 10.–

Fr. 16.–

Tarif réduit

Fr. 10.–

Fr. 16.–

Fr. 29.–

Fr. 12.–

Fr. 25.–

Fr. 45.–

Plein tarif

(3)

Jeune public : Moins de 16 ans (2) Tarif jeune : Étudiant·e, apprenti·e, 16/25 ans (3) Tarif réduit : AVS, AI, chômeur·euse, 26/30 ans (1)

BILLETTERIE BILLETTERIE TARIFS DÉCOUVERTE

Jeune public Découverte

Fr. 5.–

Fr. 8.–

Tarif jeune Découverte

Fr. 8.–

Fr. 12.–

Tarif réduit Découverte

Fr. 12.–

Fr. 20.–

Plein tarif Découverte

Fr. 18.–

Fr. 30.–

Des tarifs économiques disponibles, pour les billets « Dernière Minute », pour les groupes et les familles.

DERNIÈRE MINUTE

Places encore disponibles quatre heures avant la représentation Offre sans garantie de disponibilité, règlement des places au moment de la réservation, au guichet, au téléphone ou en ligne. (Sauf pour les spectacles à l’Opéra)

VENEZ À PLUSIEURS AU THÉÂTRE !

Groupes dès dix personnes, réservation obligatoire billetterie@vidy.ch

EN FAMILLE

Tout adulte accompagnant deux jeunes de moins de 16 ans à un spectacle sur vidy.ch

BILLETTERIE BILLETTERIE TARIFS OPÉRA

Catégorie de place

Plein tarif

Tarifs réduit et jeune

Prestige

Fr. 90.–

Fr. 72.–

Cat. 1

Fr. 72.–

Fr. 55.–

Cat. 2

Fr. 55.–

Fr. 45.–

Cat. 3

Fr. 45.–

Fr. 37.–

Cat. 4

Fr. 37.–

Fr. 29.–

Les abonné·e·s disposent gratuitement des quatre spectacles programmés à l’Opéra par le Théâtre VidyLausanne dans leur abonnement général jusqu’aux places de 2e catégorie. Pour les places en 1ère catégorie et en catégorie prestige, ils doivent ajouter un supplément de Fr. 20.– et 30.– par place. Le tarif découverte ne s’applique pas aux spectacles programmés à l’Opéra.

BILLETTERIE BILLETTERIE OBTENIR VOS BILLETS

EN LIGNE

À NOS POINTS DE VENTE

Après avoir créé votre Compte personnel en ligne, vous pouvez à tout moment acheter vos billets, consulter vos réservations, enregistrer directement les dates de vos spectacles sur votre agenda électronique ou imprimer vos billets chez vous. Enregistrez votre carte de crédit pour un paiement facilité et sécurisé. Grâce au Mobile Ticket, vous pouvez également télécharger votre billet sur votre smartphone et le présenter à l’entrée du spectacle.

La Baraka Théâtre Vidy-Lausanne, av. E.-H. Jaques-Dalcroze 5 du mardi au samedi de 13h à 19h et 1h avant le début de la représentation

Transaction sécurisée par carte de crédit, au téléphone ou sur vidy.ch

sur vidy.ch

Librairie Payot Lausanne, pl. Pépinet 4 du mardi au vendredi de 13h à 18h30, le samedi de 10h à 13h30 et de 14h30 à 18h

Horaires spéciaux à Payot du 24 août au 15 septembre : de 10h à 13h30 et de 14h30 à 18h, du mardi au samedi

BILLETTERIE BILLETTERIE

PAR TÉLÉPHONE du mardi

au samedi de 13h à 19h au 021 619 45 45

PAR SMS

L’achat de billets est possible par un simple SMS sur un smartphone. Il vous suffit de taper le code SMS et le prix du billet se reportera sur votre facture téléphonique. Au 494, envoyez le code SMS (les quatres premières lettres du spectacle) + JJMM (la date de l’événement) + votre tarif + 1 ou 2 s’il y a plusieurs spectacles dans la même journée. PT pour Plein Tarif, TR pour le Tarif Réduit, TJ pour le Tarif Jeune, JP pour le tarif Jeune Public Par exemple, pour Doreen, de David Geselson, le 5.02 au Plein Tarif, envoyez le code : DORE0502PT

sur vidy.ch

LA REPRÉSENTATION EST COMPLÈTE : QUE FAIRE ? En ligne, profitez du service « Alerte places disponibles ». Sur place, inscrivez-vous sur la liste d’attente à la caisse du soir (30 minutes avant le début de la représentation et profitez du tarif Découverte). Bourse aux billets : en cas d’empêchement, échangez vos billets avec d’autres spectateurs·rices via le formulaire en ligne.

sur vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS PLAN DE PROTECTION ! COVID ! Le plan de protection COVID est susceptible d’évoluer en fonction des mesures sanitaires cantonales. – Les mesures recommandées par l’OFSP sont relayées sur l’ensemble des sites exploités par le Théâtre. – Le port du masque est nécessaire en salle et dans la Baraka, et dans les situations où la distanciation de 1,5 m ne peut-être respectée, sauf en cas de consommation assise. – Les surfaces sont régulièrement désinfectées. – Du matériel d’hygiène est mis à disposition : des flacons vaporisateurs de produit désinfectant sont à disposition à l’entrée des salles de spectacles et dans la Baraka. – Les coordonnées des spectateurs·rices (nom, prénom, numéro de téléphone) sont recueillies à l’aide du système de réservation ou d’un formulaire à l’entrée. – Le public est informé et incité à respecter les gestes barrières. – Le paiement par carte bancaire est recommandé. – En participant à l’un des événements, les spectateurs·rices acceptent ces conditions, et sont responsables de cette décision. sur vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS LA BARAKA Le nouveau lieu d’accueil du public Av en

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Restaurant

Pavillon Baraka

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René Gonzalez

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VIDY en chantier

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Pendant le chantier de rénovation du Théâtre, l’administration, la billetterie ainsi que la Kantina et la librairie prennent leurs quartiers dans la Baraka, une cabane en bois conviviale. Elle deviendra le cœur de la vie de Vidy.

Restaurants

sur vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS ACCÈDER À VIDY Av. E.-H. Jaques-Dalcroze 5 1007 Lausanne Renseignements : Tél. 021 619 45 45 (billetterie) du mardi au samedi de 13h à 19h et 1h avant les représentations

À PIED

À VÉLO

DEPUIS LA GARE >2 KM | 25 MIN

VÉLOS EN LIBRE-SERVICE PUBLIBIKE

Sortie sud, rue du Simplon. À droite, rejoindre av. de Milan qui longe le parc puis continuer tout droit av. des Bains. Prendre à droite ch. de Grand-Rive, puis à gauche ch. des Plaines jusqu’à l’av. de Rhodanie. Au rond-point, prendre à gauche av. E.-H. Jaques-Dalcroze.

Station Grand-Rive : Av. de Rhodanie 40 (3 min) Station Ouchy : Place de la Navigation, à côté du Métro M2 (20 min) publibike.ch Parking à vélo devant le théâtre

DEPUIS OUCHY >1,5 KM | 20 MIN Longer le lac, en direction de Genève

DEPUIS L’UNIVERSITÉ >3 KM | 30 MIN Longer le lac, en direction de Lausanne

sur vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS

EN VOITURE

Parkings longue durée (gratuits dès 17h et le dimanche) – Parking du Chalet-desBains (avant le théâtre, côté av. de Rhodanie) – Fontaine de Cuivre (500 m à l’ouest) – Parking Samaranch (600 m à l’ouest) – Parking Bellerive (700 m à l’est)

Autoroute A1 direction Lausanne, sortie Lausanne-Sud. Au rondpoint de la Maladière, prendre la première sortie sur l’av. de Rhodanie puis, au rond-point suivant, tourner à droite sur l’av. E.-H. Jaques-Dalcroze.

EN COVOITURAGE

EN TAXI

Organisez votre déplacement à plusieurs ecovoiturage.ch/vidy

Station de Taxi Services située devant le théâtre. Commande en ligne au 0844 814 814 ou grâce à la nouvelle application Taxi Lausanne. taxiservices.ch

PARKINGS

Parking du théâtre (gratuit dès 20h et le dimanche)

EN TRANSPORTS PUBLICS Vennes

Palais de Beaulieu

Musée Cantonal des Beaux Arts

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Le Bourg

Arsenic

Théâtre Sévelin 36

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de Lausanne

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Église St-François

Théâtre Vidy-Lausanne

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ACCÈS ACCÈS ACCÈS HORS LES MURS

POUR TOUTES INFORMATIONS, APPELER LA BILLETTERIE AU 021 619 45 45

BOIS DU JORAT

DÉPART MÉTRO VENNES Billetterie Il est conseillé de privilégier un achat au préalable. Accessibilité Chaussures montantes de marche nécessaires, habits adaptés aux conditions extérieures et condition physique pour une randonnée de 7 km parfois hors des sentiers et de nuit sans éclairage.

Accès Point de rendez-vous : Sortie de l’arrêt Vennes du métro M2 Un bus navette vous emmènera ensuite dans les bois du Jorat. Retour possible jusqu’à Saint-François en navette.

HORS LES MURS sur vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS

MCBA

ÉGLISE SAINT-FRANÇOIS

Billetterie Billetterie ouverte sur place, une heure avant le début des représentations.

Billetterie Billetterie ouverte sur place, à l’extérieur de l’église, une heure avant le début des représentations.

AUDITORIUM BCV PLACE DE LA GARE 16 1003 LAUSANNE

Mobilité réduite/ accessibilité Le bâtiment du MCBA est accessible aux personnes à mobilité réduite. Accès – Transports publics – Arrêt gare (bus 1, 3, 21, métro M2) – Parking – Parking Ruchonnet-Gare

PLACE SAINT-FRANÇOIS 1003 LAUSANNE

Mobilité réduite/ accessibilité Accès possible mais annonce nécessaire au minimum un jour avant à la billetterie. Accès – Transports publics – Arrêt Saint-François – Parking – Parking Saint-François, Parking Montbenon

ACCÈS ACCÈS ACCÈS

PALAIS DE BEAULIEU HALLES NORD AVENUE DES BERGIÈRES 10 1004 LAUSANNE

Billetterie Billetterie ouverte sur place une heure avant le début des représentations. Mobilité réduite/ accessibilité

Le spectacle n’est pas acces-

sible aux personnes à mobilité réduite. Accès – Transports publics – Arrêt Beaulieu (bus 2 et 21) – Parking – Parking de Beaulieu

UNIVERSITÉ DE LAUSANNE 1015 LAUSANNE

Amphithéâtres à préciser pour le spectacle Atlas de l’anthropocène et pour le cycle de conférences participatives de Vinciane Despret Enquêter avec d’autres êtres. Les informations seront annoncées ultérieurement sur le site vidy.ch

ACCÈS ACCÈS ACCÈS

OPÉRA DE LAUSANNE AVENUE DU THÉÂTRE 12 1005 LAUSANNE

Billetterie Ouverture de l’Opéra une heure avant le spectacle. Les billets peuvent être retirés à la billetterie de l’Opéra. Mobilité réduite/ accessibilité Une rampe d’accès devant l’entrée principale et une plateforme élévatrice permettent de gagner les places réservées au parterre, ainsi que les toilettes privatives. Accès – Transports publics – Arrêt Saint-François – Arrêt Georgette (bus 1, 2, 4, 8, 9, 17) – Parking – Parking Bellefontaine, à 250 m de l’opéra

CALENDRIER LÉGENDE

VIDY AUTOUR DES SPECTACLES Rencontre

Rencontre avec les artistes (à l’issue de la représentation, sans réservation)

Débat

(inscriptions en ligne ou au guichet)

Jeune public/Tout public Spectacle en audiodescription Représentation signée

Légende des couleurs pour les salles Salle René Gonzalez Pavillon Pelouse de Vidy Hors les murs, Bois du Jorat Hors les murs, MCBA Hors les murs, Église Saint-François Hors les murs, Palais de Beaulieu Hors les murs, Unil Hors les murs, Opéra de Lausanne Lieu communiqué ultérieurement *

Horaires communiqués ultérieurement

SEPTEMBRE 2020 Mar. 15.09

20h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

Mer. 16.09

20h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

Jeu. 17.09

20h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

Mer. 23.09

20h00

HUGONNET Seven Winters

Ouverture réservations pour les spectacles jusqu’au 19.12 Jeu. 24.09

Ven. 25.09

Sam. 26.09

Dim. 27.09

Mar. 29.09

Mer. 30.09

20h30

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

20h00

HUGONNET Seven Winters

20h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h00

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

20h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h00

LA CORDONNERIE Hansel et …

21h00

HUGONNET Seven Winters

15h00

EL KHATIB/CAVALIER Conversation

15h30

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

17h30

HUGONNET Seven Winters

20h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h00

LA CORDONNERIE Hansel et …

14h00

EL KHATIB/CAVALIER Conversation

16h00

HUGONNET Seven Winters

18h00

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

20h00

LA CORDONNERIE Hansel et …

19h00

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

19h45

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

19h45

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h00

RODRIGUES Catarina e a beleza de matar fascistas

OCTOBRE 2020 Jeu. 01.10

Ven. 02.10

19h30

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

19h45

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h00

RODRIGUES Catarina e a beleza de matar fascistas

19h00

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

21h00

RODRIGUES Catarina e a beleza de matar fascistas

15h30

BEL/DRÉVILLE Danses pour une actrice (Valérie Dréville)

18h00

RODRIGUES Catarina e a beleza de matar fascistas

19h30

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

SENN Be Arielle F

19h30

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

SENN Be Arielle F

20h00

GALVÁN/DE ELCHE Mellizo doble

18h30

SENN Be Arielle F

19h30

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h00

GALVÁN/DE ELCHE Mellizo doble

21h00

SENN Be Arielle F

Ven. 09.10

19h00

GALVÁN/DE ELCHE Mellizo doble

Sam. 10.10

17h00

GALVÁN/DE ELCHE Mellizo doble

Mar. 13.10

19h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

19h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

19h15

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

Ven. 16.10

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

Mar. 20.10

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour …

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

20h30

PINSARD/VILLARD/DEMAREZ Requiem pour Rosetta …

Sam. 24.10

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

Dim. 25.10

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

Sam. 03.10

Mar. 06.10

Mer. 07.10

Jeu. 08.10

Mer. 14.10

Jeu. 15.10

Mer. 21.10

Jeu. 22.10

Ven. 23.10

Lun. 26.10

20h00

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

Mar. 27.10

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h00

ROUYER La Possession

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

20h00

ROUYER La Possession

20h00

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h00

ROUYER La Possession

19h30

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

19h00

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

21h00

ROUYER La Possession

10h00

DESPRET Enquêter avec d’autres êtres

15h00

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

17h00

ROUYER La Possession

20h30

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Société en chantier

Mer. 28.10

Jeu. 29.10

Ven. 30.10

Sam. 31.10

NOVEMBRE 2020 Mar. 03.11

Mer. 04.11

Jeu. 05.11

Ven. 06.11

Sam. 07.11

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h30

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

20h00

BELAZA L’Onde

19h00

DE RIBAUPIERRE/FURLAN Dans la forêt

19h00

BELAZA L’Onde

19h30

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

19h00

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

21h00

BELAZA L’Onde

17h00

BELAZA L’Onde

19h00

DADDY KAMONO/TOSATO Profil

Lun. 09.11

20h00

Mar. 10.11

Ouverture réservations pour les spectacles jusqu’au 19.02

Mer. 11.11

19h30

CHARRIOT Outrage au public

20h00

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

20h00

MARTHALER Das Weinen (Das Wähnen) …

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

19h30

CHARRIOT Outrage au public

20h00

MARTHALER Das Weinen (Das Wähnen) …

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

19h00

MARTHALER Das Weinen (Das Wähnen) …

21h00

CHARRIOT Outrage au public

14h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00

CHARRIOT Outrage au public

10h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

14h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

19h30

CHARRIOT Outrage au public

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

19h30

CHARRIOT Outrage au public

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

19h30

CHARRIOT Outrage au public

8h30 – 16h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

Jeu. 12.11

Ven. 13.11

Sam. 14.11

Lun. 16.11

Mar. 17.11

Mer. 18.11

Jeu. 19.11

Ven. 20.11

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

Sam. 21.11

Dim. 22.11

19h30

CHARRIOT Outrage au public

20h00

DE KEERSMAEKER/ROSAS Mitten wir im Leben …

14h00 – 22h00

ARCIER/TESTE ÉDEN

17h00

CHARRIOT Outrage au public

19h00

DE KEERSMAEKER/ROSAS Mitten wir im Leben …

17h00

DE KEERSMAEKER/ROSAS Mitten wir im Leben …

DÉCEMBRE 2020 Mar. 01.12

20h00

GREMAUD Auréliens

Mer. 02.12

10h15

BOREK Boucle d’or 2020

18h00

BOREK Boucle d’or 2020

19h00

GREMAUD Auréliens

14h15

BOREK Boucle d’or 2020

15h00

GREMAUD Auréliens

19h00

BOREK Boucle d’or 2020

19h00

CELE Go Go Othello

21h00

GREMAUD Auréliens

14h15

BOREK Boucle d’or 2020

19h00

BOREK Boucle d’or 2020

19h30

CELE Go Go Othello

20h00

MARTIN Nothing Left

15h00

BOREK Boucle d’or 2020

19h30

CELE Go Go Othello

Dim. 06.12

17h00

CELE Go Go Othello

Lun. 07.12

20h00

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

Mar. 08.12

19h00

CELE Go Go Othello

Mer. 09.12

19h00

CELE Go Go Othello

19h00

BARO D’EVEL Là

20h00

FERRER L’Atlas de l’anthropocène

19h00

CELE Go Go Othello

19h00

BARO D’EVEL Là

19h00

BARO D’EVEL Là

Jeu. 03.12

Ven. 04.12

Sam. 05.12

Jeu. 10.12

Ven. 11.12

Sam. 12.12

19h00

BARO D’EVEL Là

Dim. 13.12

18h00

BARO D’EVEL Là

Mer. 16.12

19h00

BARO D’EVEL Là

Jeu. 17.12

19h00

BARO D’EVEL Là

Ven. 18.12

19h00

BARO D’EVEL Là

Sam. 19.12

19h00

BARO D’EVEL Là

JANVIER 2021 Ven. 08.01

Sam. 09.01

19h00

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

10h00

DESPRET Enquêter avec d’autres êtres

19h00

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

Lun. 11.01

Présentation deuxième partie de saison

Mar. 12.01

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

20h15

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

20h15

GREMAUD Giselle …

20h15

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

19h00

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

19h00

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

19h00

GREMAUD Giselle …

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

Mar. 19.01

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

Mer. 20.01

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

20h00

GESELSON Doreen

20h00

GESELSON Doreen

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

Mer. 13.01

Jeu. 14.01

Ven. 15.01

Sam. 16.01

Dim. 17.01

Jeu. 21.01

Ven. 22.01

20h00

GESELSON Doreen

KAEGI/RIMINI PROTOKOLL Temple du présent – Solo …

17h00

GESELSON Lettres non-écrites

18h30

GESELSON Doreen

Mar. 26.01

19h00

GESELSON Doreen

Mer. 27.01

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

20h00

GESELSON Doreen

19h00

GESELSON Doreen

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

20h00

GESELSON Doreen

16h00

Lécture/Débat autour d’A. Gorz

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

20h00

GESELSON Doreen

15h00

GESELSON Doreen

Sam. 23.01

Jeu. 28.01

Ven. 29.01

Sam. 30.01

Dim. 31.01

FÉVRIER 2021 Mar. 02.02

19h00

GESELSON Doreen

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

20h00

GESELSON Doreen

19h00

GESELSON Doreen

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

19h00

GESELSON Lettres non-écrites

19h30

SIÉFERT Pièce d’actualité n°12 : DU SALE !

20h30

GESELSON Doreen

Sam. 06.02

20h00

GESELSON Lettres non-écrites

Mer. 10.02

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

Jeu. 11.02

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

Ven. 12.02

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

Sam. 13.02

17h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

19h00

RAU Famille

Mer. 03.02

Jeu. 04.02

Ven. 05.02

Dim. 14.02

15h00

RAU Famille

Mar. 16.02

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

Mer. 17.02

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

20h00

FORSYTHE A Quiet Evening of Dance

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

19h00

FORSYTHE A Quiet Evening of Dance

19h00

BAILLIART/GROUPE FANTÔMAS Tartuffe d’après …

Jeu. 18.02

Ven. 19.02

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